El artista Mario Vélez expone pinturas y dibujos en la Sala de Arte Suramericana. Esta es una invitación para visualizar su más reciente producción de un artista que se reafirma en la abstracción para narrar las geografías de lo privado.

Arqueologías de recepción
La obra de Fredy Alzate
Por: Lucrecia Piedrahíta. Museóloga. 10/10/2010

Las relaciones entre el hombre y su entorno ambiental, social y cultural se reflejan en su manera de intervenir el espacio, de identificarse con un lugar y de marcar su territorio. 
Las prácticas políticas de los objetos instalados del artista Fredy Alzate dan cuenta de intervenciones urbanas, acciones alternativas como respuestas a las experiencias del lugar y cartografías del espacio como vehículos primarios de producción y difusión de significados. Ítem, Cielorraso, Proyecto Brote, Proyecto Leve y Adosado: en donde destaco los dibujos impresos sobre papel, Contenido – recipientes en aluminio -  y las piezas – Enclave -, constituyen investigaciones de antropología cultural que se resuelven en una producción plástico-estética de temperamento y vitalidad para el debate artístico.    

La capacidad escultórica e instalacional de Fredy Alzate se subraya en el Proyecto Leve en donde se destaca el dominio del espacio, el vacío asumido y los gestos discretos de las piezas, que por medio de una exquisita capacidad abstractiva, nos remiten a la idea de la casa en frontera, la casa en los límites.      
En su proyecto Cielorraso, el artista expone el sentido simbólico de su casa-taller. Es la confluencia de pintura, escultura, dibujo e instalación en donde se enfatiza en la importancia del proceso y se establece una representación dialógica entre espacio, tiempo e imagen. Las placas del techo de su estudio son modificadas, plásticamente, para denotar el gesto escultórico y evidenciar al observador las siluetas dibujadas, las pinturas configuradas por la lluvia, la acción de la naturaleza y para escudriñar qué hay dentro de los vestigios producidos en el intersticio entre tiempo y espacio. A partir de los objetos encontrados Alzate altera su función habitual y va más allá al extraer finamente un conjunto de prácticas y códigos de hondo simbolismo para exhibir la piel de la arquitectura constituida de cortezas y acumulaciones orgánicas. Superposición de materiales, trazos de huellas de un animal y veladuras definen una cartografía personal y constituye los dibujos geológicos que se proyectan entre el artista y la naturaleza. 

En la obra de Fredy Alzate se evidencia el interés por los usos del tiempo y del espacio, las estrategias del habitar y las marcas de la memoria que portan los artefactos / objetos re-ensamblados y re-nominados, entendidos éstos como dispositivos cargados de significado cultural que dan cuenta de la sociedad en la que fueron creados: metros, tableros, dibujos proyectuales artesanales, simulacros de prototipos, fragmentos del compás,  trazas de planos; todos artefactos étnicos que hablan del lugar de donde provienen y llevan inscritas historias que –instala- Alzate para otorgar cualidades espaciales al interior de su producción plástica así como en las –disciplinas de exhibición- a las que se enfrenta el espectador. “El artefacto no es metáfora pero sí sinécdoque , por ello solo se puede leer como cultura sin importar sus cualidades estéticas” (Mieke Bal. The discourse of the museum, pg. 201).  

En el proyecto Ítem, su más reciente producción Alzate ofrece una etnografía del proceso constructivo espontáneo que a fuerza de necesidad desarrolla una arquitectura artesanal en la que sobresalen las relaciones materiales e inmateriales de los elementos dispuestos, los campos de energía presentes en los modelos constructivos, las divisiones sincrónicas del espacio expositivo por medio de los bocetos que dan cuenta de su trabajo de campo, sus referentes y la arqueología del lugar en periferia.

Alzate es un coleccionista de materiales que restituye al espacio museográfico su función simbólica y utópica a la vez, en donde yuxtapone de manera radical, los diversos elementos en el piso y la pared. Objetos procesados que conjugan los efectos del tiempo y las impresiones del cambio para activar otras formas y permitir otros planos de la visión en el ejercicio clasificatorio de ordenar, nominar, disponer y describir la cultura material de la contemporaneidad.

ESTÉTICAS POLÍTICAS. Por: Lucrecia Piedrahita

“Esta neo-grafía lleva implícita una carga conceptual que la vincula al estadio de la imagen dotada de múltiples puntos de vista políticos para hacer visible  -otros objetos y otros textos visuales- que se insertan en la recepción pública y redefinen las Estéticas Políticas y sus fines: [“la capacidad de dotar a la imagen producida de un "sentido otro", potencialmente político por ser capaz justamente de desenmascarar el orden de relaciones que estructura "lo real". La potencia político-subversiva de -(la neo-grafía entendida como la imagen)- (la fotografía) se expresa justamente entonces como la eficacia de su inconsciente óptico: él es capaz de poner de manifiesto todo aquello que una economía interesada de la representación pretende mantener oculto, forcluso.”].” (J. L. Brea. El inconsciente óptico y el segundo obturador.)  Tomado del texto: La Memoria Decapitada. Estéticas Políticas. Ponencia presentada en Trasatlántica PHotoEspaña. Encuentro de Críticos, Investigadores y Comisarios. Montevideo – 7 y 8 de octubre 2010. Por: Lucrecia Piedrahíta Orrego. Museóloga / Curadora / Investigadora. Especialista en Política y Periodismo.

FREDY ALZATE GÓMEZ . Rionegro (Ant.), 1975

ESTUDIOS
2006              Magíster en Artes Plásticas y Visuales, Universidad Nacional,  Bogotá.
2000              Maestro en Artes Plásticas,  Universidad de Antioquia, Medellín.
1998               Pasantía, Universidad Castilla la Mancha,   Cuenca – España. 

EXPOSICIONES INDIVIDUALES
2010  Ítems. Intervención. Centro Colombo Americano San Fernando, Medellín.
2009  Cielorraso, Sala Eladio Vélez, Palacio de Bellas Artes, Medellín
2008  Adosado, Galería Tres Patios, Medellín
Leve, Museo Universitario, Universidad de Antioquia, Medellín,
2007  Leve, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá.
2004  Epifora,  Universidad Nacional, Manizales.
2002 Acua, Museo de Arte de Caldas, Manizales.
Temperie, Museo de Arte, Pereira.
2000 Algo en común,  Museo de Arte Moderno, Medellín.
Agua, Galería de la Oficina, Medellín.

EXPOSICIONES COLECTIVAS
2010 Entre Mundos- Arte Cámara/ ARBO, CORFERIAS, Bogotá.
Premio Bienal de Artes Plásticas y Visuales de Bogotá, FGAA, Bogotá.
 Puntos de fuga, Arquitecturas posibles, Sala de Ciudad, EPM-MAMM, Medellín.
Exposición Bicentenario, In- situ. Centro Colombo Americano, Medellín.
Cultura visual y territorio. Ciudad – Paisaje – Naturaleza .  Museo el Castillo, Medellín 
2009 Corte 50, Asamblea BID/Museo de Arte Moderno, Medellín. 
2008 Arte-Arqueología, Alzate  Pottery, Museo Universitario, U de A, Medellín.  
2006  Once, Exposición de grado,  Universidad Nacional, Bogotá.
2005  Segundo Salón de Arte Bidimensional, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá.
2003                        Cuatro Artistas, Sala de Arte de Suramericana  de Seguros, Medellín.
X Salón Regional de Artistas, Zona Antioquia, MAMM –Universidad  EAFIT, Medellín. 
Imagen Regional IV, Aproximaciones a la Pintura, Biblioteca Luis Angel Arango, Banco de la República, Bogotá.
2001     Salones de artistas jóvenes de América Latina y España, Convenio Andrés Bello,
                     Caracas, Venezuela.
Horizontes: otros paisajes 1950-2001, Suramericana – Museo de Arte Moderno de Medellín.
Nexo, Encuentro de artistas jóvenes de América Latina y España, Convenio Andrés Bello, Bogotá.
International Art Export, New York,   E.U.
2000 IX Salón Regional de Artistas, Zona Antioquia, MAMM –Universidad   
EAFIT, Medellín.
Humanitas, Centro Colombo Americano, Medellín.
Pitura  x 4, Alianza Colombo Francesa, Medellín.
1999  XIX Salón Arturo y Rebeca Rabinovich, Museo de Arte Moderno, Medellín.
DISTINCIONES Y PREMIOS
2006 Arquitecturas leves, Beca de creación: Apoyo a tesis de posgrado, Universidad Nacional, Bogotá.
2000   Mención Especial, Tesis de grado, Universidad de Antioquia, Medellín.
Premio XIX Salón Arturo y Rebeca Rabinovich, Museo de Arte Moderno de Medellín.
OBRA EN COLECCIÓN
Banco de la República, Bogotá.
Museo de Antioquia, Medellín.
Museo de Arte Moderno, Medellín.
Museo Universitario, Universidad de Antioquia, Medellín.
Museo de Arte de Caldas, Manizales.
Museo de Arte de Pereira, Pereira.

Cultura visual y territorio. Ciudad – Paisaje – Naturaleza es la  muestra que se abrió al público el jueves 13 de mayo en el museo El Castillo.
 
La exposición colectiva “Cultura Visual y Territorio. Ciudad – Paisaje -  Naturaleza” está en la Sala de Arte y el Salón de Los Torreones como preámbulo a la entrega de la primera etapa del proyecto de renovación de sus parques y jardines.

En la muestran participan los artistas: Alejandro Castaño, Aníbal Vallejo, Fredy Alzate, Fredy Serna, Gloria Escobar, Gloria Posada, Jesús Abad, John Jader Bedoya, Jorge Gómez, Juan Luis Mesa, Luis Fernando Escobar, Mauricio Gómez, Nadir Figueroa, Patricia Bravo y Yosman Botero.
 
Quiero destacar el trabajo del artista Jorge Gómez. Este es un recorrido por la obra de este grupo que conforma la muestra y que no podemos dejar de ver. 

Les comparto un texto enviado por el artista Jorge Gómez.

Periódico  El Colombiano.    Artes Plásticas.  Autor: Luis Fernando Valencia
 Profesión: Crítico de arte.  Nacionalidad: Colombiana.

 
CONTEXTO: El crítico de arte colombiano Luis Fernando Valencia, se refiere aquí a la obra del artista Jorge Gómez, en un interesante artículo que trasciende la obra en sí misma y se proyecta. 

Jorge Gómez expuso recientemente en el Museo de Antioquia, donde ofreció un trabajo con algunas variantes de sus series anteriores, siempre con una técnica densa, fuerte, matérica, llena de contrastes.  El artista, que ha destacado en su obra la labor de taller y que nos ha dejado ver en sus lienzos espacios íntimos, ofreció una mirad a su entorno desde una perspectiva muy particular. Sale de su taller en el campo y muestra una ciudad bastante solitaria y en perspectivas impensables, que aún así, le permiten al espectador identificar algunos escenarios.  Luis Fernando Valencia destaca en este comentario la fuerza de la obra de Jorge Gómez, así como sus profundos significados y esa capacidad que tiene de no dejar nada en el vacío. Igualmente, el crítico se refiere a la pintura realista que en este caso no es mimética, pues en ella hay un gran despliegue de imaginación. Jorge Gómez lleva varias décadas dedicado al arte. Sus obras se han presentado en exposiciones colectivas e individuales, con una propuesta seria que se ha destacado en diferentes salones. Su vida está dedicada al arte.

Emboscada

A propósito de la obra del artista antioqueño Jorge Gómez

Cuando observamos una pintura de Jorge Gómez  lo primero que salta a la vista es su generosidad matérica, el pigmento de color que parece desprenderse del lienzo. Y aún más, de cerca el material pictórico aparece como un volumen caótico en un viaje sin sentido, en una deriva casual. Pero una primera estrategia plástica que el pin¬tor ejecuta convierte el óleo en representa¬ción, es decir, ya no pertenece a un mundo inerte, sino a un vehiculo de significación.

Una segunda maniobra le quita a la re¬presentación su aspecto mimético, es decir su fidelidad a una realidad, y una tercera operación deja la obra en un estado autó¬nomo. Estamos frente a una pintura ya to¬talmente independiente de su punto de partida. De lo inerte a la significación, y de ésta a una realidad otra, a un estado pictóri¬co independiente del modelo inicial.

El espacio abandona ahora toda forma de efectismo y se erige con claridad meridiana: nada está puesto al azar, nada queda en el aire. Y hay algo que sorprende. El espacio dialoga con él mismo, sin perder nitidez pare¬ce ir elaborándose siguiendo su propia voluntad.
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Desde el 18 de enero expone su obra reciente el artista colombiano Mario Vélez. Nueva York es la ciudad y la Bridge Gallery la sede que recibe una serie de dibujos de impecable factura y varias pinturas de gran formato.

En sus dibujos el artista explora las múltiples posibilidades del papel, sus pliegues, fisuras, caras y contracaras para ampliar las miradas de la abstracción desde la bidimensionalidad. 

(Las pinturas de gran formato que observamos en Letras Anónimas hacen parte de su muestra reciente en Miami).     

Anibal Vallejo, es un artista que tiene claro el ejercicio de la pintura, el ejercicio del dibujo y los referentes a la arquitectura y al paisaje. Un paisaje “nuevo”, re-semantizado o tal vez idealizado. La pintura de Vallejo y sus múltiples poéticas nos permite referenciar a Bachelard en la Clave de Ética para la Imaginación: “queremos siempre que la imaginación sea la facultad de formar imágenes. Y es más bien la facultad de deformar las imágenes suministradas por la percepción y, sobre todo, la facultad de librarnos de las imágenes primeras, de cambiar las imágenes. Si no hay cambio de imágenes, unión inesperada de imágenes, no hay imaginación, no hay acción imaginante. Si una imagen presente  no hace pensar en una imagen ausente, sí una imagen ocasional no determina una provisión de imágenes aberrantes, una explosión de imágenes, no hay imaginación”. (El aire y los sueños. Ensayo sobre la imaginación en movimiento). Aníbal Vallejo, “imaginar contra las imágenes” (Luis Puelles). por Lucrecia Piedrahita. 2008

Exposición en la Galería de la Oficina. Martes 25 de agosto de 2009 a las 7 pm. Medellín – Colombia.

A partir de hoy les compartiré el capítulo de Análisis Formal que fue uno de los objetivos principales que tuve con el el proyecto: cómo enseñar a entender y a asimilar las constituyentes de la imágen, base de la propuesta pedagógica que desde hace diez años desarrollo en mi trabajo como docente.    

CARLOS CORREA

Medellín, Antioquia, Colombia, 7 enero 1912 – Medellín, Antioquia, Colombia, 23 agosto 1985. Pintor, grabador y escritor.

A la edad de trece años ingresó al Instituto de Bellas Artes de Medellín para estudiar canto, pero, en 1926, un año después, pasa a la Escuela de Arte y se matricula en el curso de Dibujo. En este período también recibió clases con Humberto Chaves y Luis Eduardo Vieco. Poco después, tuvo como profesores a varios extranjeros que el Instituto contrató a fines de la década del 20: el belga Georges Brasseur, el inglés Jack Scott Neville y el alemán Kurt Lahs.
Al parecer, las múltiples orientaciones de sus maestros causaron confusión al joven Correa, quien decidió retirarse del Instituto; de inmediato se vinculó a un taller de fotografía, donde trabajó como retocador de negativos en el estudio de Rafael Mesa. No obstante, en 1930 regresó al Instituto de Bellas Artes de Medellín, en el momento en el que Pedro Nel Gómez, recién llegado de Europa, recibió la dirección de la institución. Por estos años se dedicó a estudiar Anatomía, en la Escuela de Medicina de la Universidad de Antioquia.

En 1933 dio por terminados sus estudios; continuó su formación de manera autodidacta. Posteriormente, entre 1936 y 1938, ejerció la docencia en el Instituto Central Femenino de Medellín, hoy CEFA.
Desde los inicios de su carrera, el artista se comprometió con su particular visión del mundo y del arte; su trayectoria estuvo llena de polémicas y confrontaciones con diversos sectores, debido a un tenaz temperamento y a una producción comprometida con la interpretación de las contradicciones mentales y sociales de la Colombia de la época.
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Las relaciones entre el hombre y su entorno ambiental, social y cultural se reflejan en su manera de intervenir el espacio, de identificarse con un lugar y de marcar su territorialidad. En la muestra que se presenta en Bellas Artes, el artista Fredy Alzate expone el sentido simbólico de su casa-taller. Cielorraso es la confluencia de pintura, escultura, dibujo e instalación en donde se enfatiza en la importancia del proceso y se establece una representación dialógica entre espacio, tiempo e imagen. Las placas del techo de su estudio son modificadas, plásticamente, para denotar el gesto escultórico y evidenciar al observador las siluetas dibujadas, las pinturas configuradas por la lluvia, la acción de la naturaleza y para escudriñar qué hay dentro de los vestigios producidos en el intersticio entre tiempo y espacio. A partir de los objetos encontrados Alzate altera su función habitual y va más allá al extraer finamente un conjunto de prácticas y códigos de hondo simbolismo para exhibir la piel de la arquitectura constituida de cortezas y acumulaciones orgánicas. Superposición de materiales, trazos de huellas de un animal y veladuras definen una cartografía personal y constituye los dibujos geológicos que se proyectan entre el artista y la naturaleza.
(Comentario para el periódico Arteria-Bogotá)

Christophe Singler, curador alemán, amigo con quien comparto proyectos y saludos, hoy nos entrega su texto, publicado en el proyecto multimedial ARTES PLÁSTICAS EN ANTIOQUIA, del cual fui coordinadora académica y curadora general.

NADIE ES PROFETA EN SU PAÍS…
EXPONER ARTE LATINOAMERICANO EN EUROPA
CHRISTOPH SINGLER
Universidad de Tolouse

Comparada con la situación en Estados Unidos, la presencia del arte latinoamericano en Europa es precaria. Sigue marginal, a pesar de que la mayoría de sus grandes representantes hayan vivido aquí por lo menos una temporada más o menos prolongada. El caso puede parecer extraño cuando se compara a la situación de los escritores, mucho más exitosos en los últimos cuarenta años que los artistas plásticos, a pesar de que dependen de la traducción de sus obras, la cual conlleva siempre su dosis de traición. Sin embargo, pensándolo bien, quizás se deba precisamente a este hecho: entendamos por “traición” el proceso de amoldar el original a la cultura del destinatario, facilitando así su acceso a la cultura latinoamericana, lejana a pesar de su entroncamiento con la europea (adopto, por supuesto, el punto de vista europeo). Al contrario, las imágenes no sufren intermediario, de ahí que su recepción revele con mayor crudeza las idiosincrasias que dificultan el diálogo con ellas.
Por supuesto, existe tal filtro también en artes plásticas: la reproducción fotográfica (insuficiente, por supuesto), para ilustrar un texto histórico o estético redactado por un crítico especializado o simplemente un escritor, etc. Sobre todo, ejerce esta función la puesta en escena que representan las exposiciones, en los espacios abiertos, como paisajes urbanos y parques, y en los espacios cerrados de los museos, galerías y centros de arte, cada uno con política a plazo más o menos largo, que a su vez ubica al artista expuesto frente a un público habituado a este contexto local. Aquí interviene el curador, actor cada vez más poderoso en el mundo artístico, encargado de establecer el contacto entre la obra de arte y el espectador. Su función parece que ha venido creciendo en los últimos veinte años, a golpe de exposiciones cada vez más imponentes, cruzando las fronteras nacionales establecidas por la historia de arte y definiendo nuevos campos de estudio.
Ejemplos espectaculares fueron “Les magiciens de la terre” (los magos de la tierra) en París, siguiendo la exposición histórica sobre el “Primitivismo en el siglo XX”, y en particular las once Documenta en Kassel, pioneras de este nuevo tipo de exposiciones, todas ellas “conceptuales” escapando a las casillas académicas. Esta tendencia se ha intensificado debido a la influencia que ejercen los estudios culturales, que volvieron a intentar restablecer el contacto con el público; en las concepciones formalistas de las vanguardias históricas, a éste incumbía apenas un papel de receptor que debía reelaborar básicamente el significado inherente a la estructura de la obra. Lo que se propone hoy día son recorridos múltiples que permiten al espectador adoptar distintos puntos de vista. Estrategia que atribuye al curador una función central frente al público, invitado a experimentar nuevas posturas, desde la vivencia participativa hasta una actitud más bien crítica.

Degas

Nuestro invitado nace el 19 de julio de 1839 en París. La formación artística se inicia con visitas al museo del Louvre y realiza estudios de dibujo. Conoce  al pintor Ingres, el cual le dice: “Dibuje líneas, muchas líneas, ya sea de memoria o del natural”. De allí que su obra es una conjunción de pintura y línea de dibujo. Degas se matricula como copista del Louvre  y allí estriba uno de los motores de su arte. “Hay que copiar a los maestros y volver a copiarlos” afirmaba. Para Degas, son Mantegna y Manet otras grandes influencias.

Se dedica a la pintura de historia y tiene gran predilección por los retratos. Sus viajes a Italia, en especial a Nápoles, alrededor de 1856 son una gran escuela para él. De allí regresa con 28 cuadernos de bocetos. Entre las obras destacadas de su época inicial e intermedia están “El retrato de su abuelo” “la mendiga romana” y el gran retrato de “La familia Bellelli”. Luego vino “El ajenjo” de 1876. Degas nació con la fotografía y es acompañado por ella. Tanto en sus famosos temas de jinetes y bailarinas, hacia 1970, realizados en tiempos de bancarrota, puede reconocer el estudio del movimiento realizado por Muybridge y los efectos de la luz y el claroscuro. Se dice que supo retomar el encanto de la fotografía de instantáneas.

Degas asistió al crecimiento  y aceleración de París, por eso se le dice el pintor de la vida moderna. Mostró con maestría el mundo de las planchadoras y las modistas. De este otro  tiempo son importantes las siguientes obras “Ensayo de ballet en escena”, “La planchadora” de 1869,  “La lección de ballet” 1881.

Después sorprendió a los espectadores de su obra con sus 150 pequeñas esculturas donde rompe las reglas de la escultura  tradicional. De manera sutil sabe restarle  su  manida solemnidad.  En 1901 enceguece y por lo tanto se dedica a obras de gran formato. Un 27 de septiembre de 1917 Degas nos abandona, pero nos deja la perfecta convicción: “Degas, un artista fino”.

“Parecía poseer un objeto con ella. Según un amigo, después de que Picasso miraba un papel se extrañaban que quedara algo de él, ya que la mirada era tan fuerte que parecía quemar la imagen”. John Richardson.

“Picasso con su bronceado torso desnudo, en pantalones cortos y pantuflas, salta a la luz diurna: dios de bronce viviente descendido de su pedestal, encarnación de un personaje grandioso, él pertenece a todas las épocas, a las culturas primitivas y a los mundos siderales del futuro. Según incida la luz sobre su cabeza, su poderoso torso o sus robustas piernas ancladas al suelo, unas veces parece un brujo negro y otras un patricio romano”. George Clouzot