Parecia poseer un objeto con ella – según un amigo -, después de que Picasso miraba un papel se extrañaban que quedara algo de él ya que la mirada era tan fuerte que parecía quemar la imagen. Así lo describía su amigo y biógrafo John Richardson.

Hablar de Picasso, es hablar de una de las figuras mas grandes de toda la historia del arte universal. Su nombre y su obra personifican el arte del siglo XX. Un artista que rompió la norma y es considerado el pintor mas revolucionario después de los artífices del Renacimiento.

En Picasso se conjuga drama, amor, pasión y muerte. Fuerzas que se traducen no sólo en su trabajo plástico, sino en su vida personal. El hijo mayor de una familia de Málaga España, destinado a ser el mejor, quien nació en 1881 y murió en 1973.

Cuando nosotros hablamos de Picasso, necesariamente tenemos que hacer referencia al arte moderno. Picasso fue moderno porque transformó la manera de mirar el mundo y de concebir la estética tradicional produciendo trastornos violentos que a principios del siglo XX significaron el horror para muchos y el asombro por parte de un público sensible que detectó en él, el talento de un genio creador. Una vida entregada a las pasiones, rodeado siempre de sus amantes que reconocemos hoy en los innumerables retratos en que las inmortalizó y también las ridiculizó porque en él se confundía un gran amor por las mujeres pero también el sello del carácter masculino español que en muchas de las ocasiones dejaba ver la tiranía por el mundo femenino.

Las mujeres de Picasso las encontramos en las Damas de Avignon en la cual no sólo pinta mujeres sino que se va en contra de todo lo que implicaba la belleza en su concepción tradicional.  En esta pintura tan famosa como El Guernica el artista fragmenta la figura y de repente aparecen las mujeres como si se miraran frente a un espejo roto.

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 El primer impacto del arte africano fue conocido en el mundo occidental a fines del siglo x, traídos del Benin y la actual Nigeria. Sin embargo, hasta la última parte del siglo XIX las obras africanas no tuvieron interés para el coleccionista europeo, ya que las consideraban nada más que “trabajos manuales” de “salvajes tribales”.

Los coleccionistas europeos reunieron vastas colecciones de “manualidades” tribales, no dándole importancia a su contenido estético, pero importantes artistas al principio del siglo XIX, particularmente cubistas y expresionistas, se inspiraron en él aquel mal denominado “arte tribal”, especialmente en las máscaras africanas.

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Una etnografía por el símbolo y el objeto en el arte africano como sistemas de representación en la imagen que deconstruye Picasso y que se expande al sincretismo presente en el artista cubano José Bedia en donde se fusiona la cultura amerindia con la cultura africana. apropiación y reactivación de las estéticas africanas en el ojo moderno.

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“Parecía poseer un objeto con ella. Según un amigo, después de que Picasso miraba un papel se extrañaban que quedara algo de él, ya que la mirada era tan fuerte que parecía quemar la imagen”. John Richardson.

“Picasso con su bronceado torso desnudo, en pantalones cortos y pantuflas, salta a la luz diurna: dios de bronce viviente descendido de su pedestal, encarnación de un personaje grandioso, él pertenece a todas las épocas, a las culturas primitivas y a los mundos siderales del futuro. Según incida la luz sobre su cabeza, su poderoso torso o sus robustas piernas ancladas al suelo, unas veces parece un brujo negro y otras un patricio romano”. George Clouzot

El desnudo bajando de una escalera

Los comienzos del siglo XX fueron tiempos intensos, donde los filósofos, intelectuales y artistas como Picasso, Marinetti y Kandinsky trabajaban incansablemente: escribían propuestas editoriales, hacían crítica, opinaban.
Después de dos años París recupera su importancia como lugar de reunión para todos los vanguardistas, para aquellos que iban a recuperar la historia por lo menos hasta 1945. Los dadaístas se toman a París y lo que hacen es proponer un tipo de arte en el que prima los procesos frente a los productos. Ellos hacían collage con latas, hierros, tapones, pedazos de madera y elaboraban composiciones con estos materiales para después convertirlos en arte a través del gesto, de la palabra, de las miradas del espectador. Sería precisamente Duchamp, el artista que ideó el ready made, u objetos prefarbricados. Los ready made son  esculturas realizadas con objetos ya existentes.

La famosa obra Rueda de Bicicleta es una butaco de madera al que el artista le adhirió en el asiento, una rueda de bicicleta. Nos preguntaremos qué lograba el artista con esto, pues de esta manera estaba desmitificando las categorías estéticas que contaban tanto en una obra de arte.   

Con el Dadaísmo se vieron actos exagerados para el público de la época como el del poeta Arthur Cravan quien en una misma sesión bailaba, boxeaba y conferenciaba y quien en la exposición de los Independientes en Nueva York que se realizó en julio de 1917, llegó al lugar, se desvistió ante el público y comenzó a sacar de su maleta cantidad de ropa sucia.

Fue en esa Exposición Internacional de Nueva York donde participaron Picasso y Picabbia, que eran por decirlo así unas puntas de diamante  del movimiento moderno en Europa, pero el que causaría más estupor sería Duchamp con la obra: El desnudo bajando de una escalera. Esta obra fue la que más indignación causó y -todos sabemos que en asuntos de vanguardia afirmar eso es casi tanto como hablar de éxito- (E. de Diego).

Esa obra es clave para entender la modernidad en el arte. Sería seleccionada por el público y por la prensa como símbolo de lo incomprensible y ridículo del nuevo arte y fue tal el escándalo que generó la obra que se abrió un concurso con premio incluido para el que consiguiera dar una explicación al cuadro, porque a pesar de buscarlo y buscarlo allí no acababa de aparecer  “El desnudo bajando de la escalera”.

El artista, después de entrevistarlo, respondería tajantemente: mi deseo es una representación estática del movimiento   

De ahí en adelante Duchamp sería la inspiración para las nuevas generaciones americanas.

Una artista de Nueva York,  Lena Gieseke, quien domina las más modernas técnicas de infografía digital, decidió proponer una versión 3D de la célebre obra y colocarla en internet, con forma de video.

El resultado es fascinante y nos permite visualizar los detalles que, de otro modo, nos pasarían desapercibidos. Esta técnica innovadora se revela como un poderoso instrumento para comprender mejor la forma de trabajar del pintor y hasta el modo como funcionaba su imaginación.

Música: Nana de Manuel de Falla.
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El Guernica como rehén político
pOR: lUCRECIA pIEDRAHITA

Es Teodoro Adorno quien narra la anécdota de Picasso: “le visitó en su estudio un oficial de las tropas alemanas y, señalando al Guernica, le preguntó: ¿Lo ha hecho usted?, a lo que, al parecer, Picasso contestó: No, usted”.  

 

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El Guernica da cuenta de una población a la que se le despoja de su biografía y se le restituye su memoria a través del arte como resistencia frente a la desmemoria histórica. Esta obra de Picasso se inscribe en una caja negra.

El tenebrismo envuelve al toro, al caballo, a la mujer que arde en llamas y a la mujer que huye despavorida. En medio de la destrucción, la luz persigue a los protagonistas, irradiándose tenuemente, sigilosamente por las paredes y las perspectivas.La luz se define por zonas espaciales, se cuela por detrás de los muros, irrumpe en la centralidad del cuadro y se instala en puntos focales precisos para determinar las formas.

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