El ejercicio de la mirada

“Autorretrato”, (1941). Pedro Nel Gómez

Por: Lucrecia Piedrahita Orrego.

El desarrollo cultural y artístico en las primeras décadas del siglo XX contó con figuras claves como Pedro Nel Gómez, Eladio Vélez, Ignacio Gómez Jaramillo, Rafael Sáenz, Horacio Longas, José Horacio Betancur, Rodrigo Arenas Betancur, Ricardo Rendón, Bernardo y Luis Eduardo Vieco, los imagineros Carvajal, Marco Tobón Mejía y Francisco Antonio Cano, entre otros nombres destacados.

La característica del arte en Antioquia era el apego a las narrativas de la pintura representativa nacional. El tránsito de la pintura en los 40 y 50 fue modelada por dos grupos: Eladistas y Pedronelistas. Sin embargo, para la década del 50 se puede considerar, en gran medida, superada la idea modélica de los embates entre pedronelistas y eladistas.  Más bien es posible subrogar las dos posturas que representan las formas de expresión artística de la década: una continuidad con la pintura que habla el idioma de la descripción y otra postura que implica el rechazo al realismo escueto, a la pretendida exacta reproducción del parecido.

Pedro Nel Gómez es un elemento diferenciador dentro del devenir del arte en Antioquia. Ingeniero, pintor, escultor y urbanista. Buscó Florencia, la ciudad de Lorenzo el Magnífico con el interés de acercarse a los grandes maestros del arte y conocer los postulados de la Academia Neoplatónica, circuito intelectual al que pertenecieron los hombres más refinados de la Florencia renacentista: Lorenzo El Magnífico, Marsilio Ficino, Pico della Mirandola, Agnolo Poliziano y maestros como Alberti, Botticelli, Miguel Ángel Buonarotti y otros más. El hombre renacentista buscó el contacto directo con la naturaleza razonada y controlada por el hombre. Estar en contacto con ella significaba un remedio contra la melancolía. Así el pintor Antioqueño Pedro Nel Gómez encontró la filosofía neoplatónica en obras como “La Primavera” de Botticelli y en edificios que enseñaban los principios arquitectónicos sobre los que había teorizado Alberti: proporción armónica, impresión de fuerza, de calma y gravidez, simplicidad en la decoración y una clara identificación de los elementos clásicos.

Pedro Nel Gómez recorrió las calles de Florencia para encontrar tres artistas: Giotto, Masaccio y Miguel Ángel. A través de ellos descubrió el fresco y con el fresco la denuncia social y política. La cultura italiana de los siglos XIII y XIV se caracterizaba por la plena conciencia de la forma y el significado de los gestos, elementos plenamente asumidos por Giotto, un concienzudo observador de la vida. En su obra se destaca la expresión facial y el gesto que evidencia la vida interior de la figura. Un artista que observó la naturaleza humana pero más que su comprensión psicológica es que para observar y representar la naturaleza humana, se sirvió del conjunto de convenciones que articula una sociedad. Un ejemplo claro es la Madonna de la Galería de los Ufizzi. En esta obra, nos dice el crítico de arte italiano, Matteo Marangoni, “no vemos una reina o la dama que pintó Cimabue o Duccio di Buoninsegna, sino a la mujer de pueblo, de su tierra, fuerte, segura, potente, sana, que demuestra su origen plebeyo hasta en el modo de sentarse”. Igual sucede con la Madonna del Museo del Bargello de Miguel Ángel “no es ni Madonna, ni madre, sino el máximo de la armonía rítmica”, afirma Marangonni. Y Pedro Nel revisaría también al pintor Masaccio con su obra “La expulsión del Paraíso”, de la cual nos dice Marangoni: “Sin duda Eva representa el primer gesto moderno de la pintura italiana”.

Tres obras, tres artistas que influyeron en la personalidad de Pedro Nel Gómez quien con su formación como ingeniero, arquitecto, pintor, escultor y urbanista realizó numerosas actividades en estos campos. Pero sin duda la labor que comprendía magistralmente todas estas facetas de su ser y de su quehacer es la obra mural al fresco, técnica con la que pintó 2.200 metros cuadrados en once edificios públicos de Medellín, dos de Bogotá y uno de Cali. Pedro Nel Gómez manifestó siempre un gran amor a su oficio de fresquista y de educador que lo condujo como él mismo lo expresó a llevar a los muros, los dolores de su patria y de sus gentes.

Cuando se observa con detenimiento los frescos realizados por Miguel Ángel y por Masaccio se ve claramente cómo Pedro Nel traslada la elocuencia del mural a su tierra y medita la contundencia plástica de estos artistas. Ellos son vehículos de inspiración que en la obra del artista antioqueño adquiere matices americanistas y en donde los personajes de su obra serán el pueblo, la población campesina y la colectividad minera. Esta lectura permite subrayar la función social del arte, premisa indiscutible de su producción plástica que ahondará en sus contactos con los muralistas mexicanos y en la búsqueda de una identidad nacional, necesaria frente a un país con una historia marcada por hechos trágicos y violentos que cuestionaron al artista. Tal vez uno de los acontecimientos que marcaron el devenir del país y que sirvió como elemento motivador para la consigna de un arte con sentido social, sería el que narra el escritor Arturo Alape: … “Bogotá cortada en cruz sobre la carrera séptima y la de Jiménez por los rieles del tranvía; los cerros en reposo como telón de fondo inmovibles, un cielo encapotado y un enloquecedor frío sobre los hombres de vestidos cruzados y sombreros negros, ladeados y en el aire el hollín del tiempo pegado a sus respiraciones.  Es mediodía del 9 de abril de 1948; la ciudad se desocupa, las gentes aceleran sus pasos para ir a almorzar. Hay cierta tranquilidad relativa, aunque el país había vivido una intensa oleada de violencia en algunos departamentos, un grupo de lustrabotas, especie de guardia personal de Gaitán al salir de su oficina, silban con cierto desgano al compás de sus manos que brillan los zapatos de los transeúntes. …“La ciudad ha cambiado de apariencia, al engalanarse para las fiestas sociales en homenaje a los muchos delegados a la Novena Conferencia Panamericana, mientras en cualquier rincón se escondía la miseria real de un pueblo que había encontrado en la voz, en el verbo encendido de Gaitán una posible redención social [...]  A la una y diez minutos de la madrugada del 9 de abril Gaitán terminaba su emocionante defensa del teniente Jesús Cortés y pedía para él la absolución [...] Las dos y cinco de la mañana. El fallo fue absolutorio en un todo, de cuerpo con las tesis planteadas por Gaitán. …“Las barras sacaron al líder en hombros y él se encontró con la soledad de una ciudad que tanto amaba y que pocas horas después iba a cambiar en todo sentido por su muerte. La multitud que lo vitoreaba quedaba a sus espaldas.  Plinio Mendoza Neira necesitaba hablar con Gaitán sobre alguna cosa urgente.  Fue a su oficina… Gaitán recibía los últimos elogios de sus amigos.  Había sido su más importante triunfo como penalista…  Plinio Mendoza Neira sintió de pronto que Gaitán retrocedía en la [calle], tratando de cubrirse el rostro con las manos. Escuchó tres disparos consecutivos. Trató de ayudarlo. Gaitán, demudado, los ojos semiabiertos, un rictus amargo en los labios y los cabellos en desorden. Un hilillo de sangre corría bajo su cabeza”.[1] 

Pedro Nel Gómez no desligó el arte de la vida misma, sus historias, sus pasiones, sus conflictos se convirtieron en construcciones estéticas que hoy nos permiten levantar un mapa político de hechos fundamentales en Colombia. Al maestro hay que ubicarlo en distintas coordenadas: conoce Florencia, asimila los postulados renacentistas que buscaron un hombre interpretante de la realidad y que asumió la obra de arte como una ventana abierta al mundo lo que significaba la conjunción del arte, la ciencia y la técnica al servicio del hombre, y por época, conoce las vanguardias que desfilaron por el siglo XX. A propósito de la vanguardia afirma Umberto Eco: “El arte de las vanguardias no plantea el problema de la belleza. Se sobreentiende, sin duda, que las nuevas imágenes son artísticamente “bellas” y han de proporcionar el mismo placer procurado a sus contemporáneos por un cuadro de Giotto o de Rafael, precisamente porque la provocación vanguardista viola todos los cánones estéticos respetados hasta ese momento. El arte ya no se propone proporcionar una imagen de la belleza natural, ni pretende procurar placer sosegado de la contemplación de formas armónicas. Al contrario, lo que pretende es enseñar a interpretar el mundo con una mirada distinta, a disfrutar del retorno a modelos arcaicos o exóticos”.[2]

El artista enfrenta dos posturas diametralmente opuestas: vanguardia y Renacimiento. Vanguardia porque sin dudas la postura del artista antioqueño fue romper con las normas estéticas del academicismo que en nuestro medio, y en algunos casos, privilegió lo decorativo y retinal. Una premisa se rompía con Pedro Nel Gómez: evitar la imitación fidedigna del mundo de lo real pero a su vez, se anclaba en un elemento de rechazo para los postulados de la estética que proclamaba la vanguardia: liberar la obra de arte de contenidos extra-artísticos y esto no era posible en el artista antioqueño: su compromiso era con el arte y con la vida, por lo tanto el arte debía denunciar y sobre esta base el maestro difundió la idea de un arte con mensaje social, sustentado en las ideas de la revolución americanista. A propósito nos dice el investigador Santiago Londoño: “La obra de Pedro Nel Gómez, que en un primer momento produjo un fuerte remezón en las formas centenaristas afincadas en la expresión nacional, evolucionó hasta configurar una suerte de retórica visual cuya eficacia  quedó restringida a la elegía patriótica. Los conflictos a los que el artista dio expresión inicialmente, evolucionaron como evolucionó la realidad política y económica del país; las formas artísticas también continuaron su curso siempre cambiante”.

Pedro Nel Gómez es definitivo para la historia del arte en Colombia. Señalado por muchos como uno de los precursores del arte moderno en el país, criticado y admirado, cuestionado y revalorado con el tiempo que le devuelve su puesto en la historia. Sus retratos son en su mayoría orgánicos, de silencios, muchos silencios y tienen la calidez del alma humana. Unos son urbanos, otros híbridos. Todos son retratos que recogen instantes. La vanguardia de Pedro Nel Gómez consistió en rechazar la pintura importada “en contenidos” pero el artista no estuvo sólo en esta tarea, Latinoamérica contó con artistas que le mostraron a Europa y EE.UU. que ellos eran capaces de “crear imágenes” y no necesariamente tener que importar estilos. Bastaba la riqueza social de los países latinos como tema suficientemente amplio para explorar, y desarrollar los aspectos locales y de esta manera enseñar cómo cada sociedad se pensaba a sí misma y pensaba a las otras. Todos, artistas cargados de una excepcional intuición y que sin duda le entregaron al público del continente un lenguaje plástico moderno.

Pedro Nel hace parte de un grupo de pintores que dieron impulso para que surgieran en las décadas posteriores artistas con trabajos maduros que hicieron valiosos aportes a las gramáticas del arte moderno. Formalmente el artista antioqueño buscó muchas veces el espejo renacentista y también se acercó a pintores como Cezanne y Van Gogh pero su verdadera vanguardia está presente en la necesidad de nombrar un territorio, de definirle los límites, de creer que la educación era el medio más viable para buscar la libertad. Incluso el maestro, en su conocimiento, entendió que más allá de la postura estética, su verdadera revolución planteaba la necesidad de nombrar lo innombrado: Antioquia, Colombia, Suramérica, eran territorios sin tierra para la Europa de 1928, de 1930.

El artista en su afán por comunicar ideas a través del mural es parangonable al interés de una ciudad por un museo que lo represente o por un museo que busca públicos. El mural, las paredes intervenidas del artista son equiparables a un museo. El artista que interviene el edificio, que representa la municipalidad, las universidades, los interiores de espacios de gobierno nacional, son todos lugares de representatividad, lugares de reunión, de discusión, lugares que podrían entenderse como los espacios museográficos que concibió Pedro Nel Gómez para vivir lo público. Los murales, en cierta medida son la cristalización espacial y parietal de un museo, entendido éste como lugar de la comunicación. A través del tiempo el estudio que se ha hecho a su obra mural nos permite hablar de ella como mediadora de cultura, de conocimiento, de debate y de confrontación.

El artista antioqueño conocía los postulados de Leonardo da Vinci quien entendía que la “concepción artística o visual de la realidad”  es un conocimiento o ciencia que constituye un añadido insustituible de vida consciente, por eso el hombre alcanza verdaderamente su totalidad sólo si ejecuta también la actividad visual. Y los murales permiten esto: movilidad visual, otorgar información y generar pensamiento. Son retratos colectivos, un documento histórico, cultural y social. Son galerías de cultura pública. Pedro Nel Gómez se dio a la tarea de reconstruir la geografía social de Colombia.

El artista muralista entendió el retrato como espejo en el que podemos observarnos, como la posibilidad psicológica para conocer y acercarnos a ese personaje que nos devuelve la mirada, se nos ofrece de frente o de perfil y nos devela su interior. El retrato es la representación de la personalidad, es el género artístico que nos permite la diferenciación y la individualidad. A través de la historia el retrato ha sido un símbolo de mando, por lo general reservado a los soberanos. Es importante saber que la gran época del retrato comprende el período entre la Baja Edad Media y el siglo XVII. El retrato inmortalizó a príncipes, altos miembros de la iglesia, comerciantes, artesanos, artistas y se entendía además como una manera de realzar la reputación del retratado.

Son múltiples las variantes del retrato: de perfil, frontal y sugestivo, de tres cuartos. Así mismo se distingue el retrato individual y colectivo, todas éstas, maneras de captar el alma de una persona, como afirmaba Cezanne, el otro gran maestro en quien se detendría Pedro Nel Gómez quien entendió que el arte no podía ser únicamente registro y provocación de un goce estético sino que comprendió el arte como un instrumento de conocimiento.

“Autorretrato” (1941), obra de Pedro Nel Gómez, un óleo sobre lienzo de 69.5 x 59 cm, obra de la Colección del Museo de Antioquia reflexiona por la soledad en el espacio de lo privado, de lo reservado y por la representación del cuerpo en el arte. La historia del hombre puede escribirse a partir de las huellas que dejan sus modos de habitar. Historia concreta de muros que, al encerrar un espacio, otorgan al hombre un centro en el que le es posible reconocerse. Espacios que se transforman. Tiempo que no se detiene. Y en ellos, y a través de ellos, el hombre y su casa, sus objetos, sus paisajes, sus ancestros, sus lazos sociales… En una palabra: el hombre y los signos de su existencia. La idea de habitar (la soledad) relaciona íntimamente los conceptos de lugar y ser. Habitar, según Heidegger, es convertir el espacio físico, racionalmente constituido, en una representación material del “ser en la tierra”. Es decir, dotar de significado las categorías del ser y estar. En la relación significativa que se da entre el ser y el habitar un lugar, un espacio, se desarrolla un sentido de identidad y pertenencia, en el cual la función espacial posee unas características culturales, familiares, económicas, sociales, además de unos valores simbólicos que determinan esa relación.

Pedro Nel Gómez  pinta para ver el atardecer, la ciudad, unos ojos azules. Los días son leídos por su retina, registrados para su memoria visual. Para el artista la pintura es su sistema proyectual y el vínculo con la familia, con la tierra, con el espacio vacío, ella le sirve de albergue. Es la casa de infancia, la casa de todos los tiempos. En “Autorretrato” (1941) se evidencia el testamento artístico y espiritual de Pedro Nel Gómez, un manifiesto de sus convencimientos y de la finalidad de su poética. El retrato en el artista es su autobiografía. El hombre tiene su cuerpo como instrumento de comunicación y como lenguaje que puede leerse y analizarse según una compleja red de perspectivas antropológicas, estéticas y semióticas. El cuerpo es un campo de transmisión de emociones, espacio de todos los espacios, lugar de habitación, idea central del pensamiento, centro del placer y del dolor, referente constante de la plástica, y volumen sígnico que evidencia sus historias y tragedias. El espacio de la pintura en Pedro Nel Gómez es el contenedor de la totalidad de los objetos del afecto, de su cuerpo material e inmaterial. La mediación del sujeto con el mundo, la concreción de una existencia, sólo es posible gracias a la presencia de un cuerpo, de un espacio físico real en el que la vida tiene lugar. “Nuestras experiencias de la realidad dependen de la integralidad del organismo, o de sus lesiones transitorias o indelebles”.[3] El cuerpo es reflejo de las sensaciones internas, a veces delata, otras esconde. Una cierta libertad de movimiento influye sobre la psique, liberando a su vez al sujeto o, en caso contrario, condicionando la corporalidad. En las expresiones del cuerpo hay una representación proyectiva de su historia, de sus duelos silenciosos, de la incertidumbre que lo marca, de la problemática que en esencia ha coartado su libertad y la independencia de decidir. “Toda historia actual del cuerpo es la de su demarcación, de la red de marcas y de signos que lo cuadriculan, lo parcelan, lo niegan en su diferencia y su ambivalencia general radical para organizarlo en un material estructural de intercambio/signo”.[4] El “Autorretrato” trabajado a manera de un largo plano fijo permite recomponer la imagen misma y comprender mejor el tiempo contenido en el cuerpo. 

Para referenciar el “Autorretrato” (1941), del maestro Pedro Nel Gómez es necesario remitirse a la autografía que alude a la concepción individual artística y de identidad entre arte-lenguaje-expresión. La autografía atestigua el uso de la firma. La firma es una condición sine qua non de valor, como dice Carlo Ragghianti, fundador de los estudios en Museología y Museografía en Florencia: “La firma es una norma estética y una ley moral del hacer artístico. El autógrafo no consiente dudas, equívocos o arbitrios al espectador”. Y esto es lo que se lee en el autorretrato del artista. Esta obra es su firma. Observamos un hombre de sombrero y ruana, desprovisto de espacios que lo limiten y dispuesto sobre un fondo intenso de rojo veneciano, su mirada recia da cuenta de su carácter. En este autorretrato el artista proyecta su personalidad y refleja sentimientos que se renuevan cada vez que nos paramos frente a la obra, en donde la síntesis del encuadre, como primera operación de sentido, es un factor integral que tensa la composición y hace mover el ojo/cámara dentro del plano evidentemente plástico.

Así mismo el diseño entendido como la línea que encierra y delimita comparte valores iguales con el color, elemento más cercano a la percepción sensorial. Un autorretrato se entiende como el interés autobiográfico, es una auto confesión del artista que se expone al público. Afirma Jorge Luis Borges en su cuento, Funes el memorioso: “Lo recuerdo (yo no tengo derecho a pronunciar ese verbo sagrado, sólo un hombre en la tierra tuvo derecho y ese hombre ha muerto) con una oscura pasionaria en la mano, viéndola como nadie la ha visto, aunque la mirara desde el crepúsculo del día hasta el de la noche, toda una vida entera. Lo recuerdo, la cara taciturna y aindiada y singularmente remota, detrás del cigarrillo. Recuerdo (“creo”) sus manos afiladas de trenzador”.

Pedro Nel Gómez, el artista que distinguió la necesidad de instaurar una cultura pública, el urbanista, el arquitecto, el pintor, el retratista asumió un compromiso con la historia a través de la temporalidad pictórica y la personalidad precisa de un pensamiento creativo.

Fuentes

 ALAPE, Arturo. El 9 de abril, asesinato de una esperanza. En: Nueva Historia de Colombia. Tomo II. Historia política 1946 – 1986. Bogotá: Planeta, 1998. P, 33 – 35.  

 BAUDRILLARD, Jean.  El intercambio simbólico y la muerte.  Caracas: Monte Ávila, 1992. 

 BORGES, Jorge Luis. Ficciones. Alianza Emecé (Alianza Editorial) 1993; Argentina.

 DOLTO, Françoise. La imagen inconsciente del cuerpo.  Barcelona: Paidós,  1984.

ECO, Umberto. Historia de la belleza.  Editorial: Lumen. Marzo 2005.

 LONDOÑO VÉLEZ, Santiago, Historia de la pintura y el grabado en Antioquia, Editorial Universidad de Antioquia, Medellín, 1996.

PIEDRAHITA, Lucrecia, Restrepo, Luisa Fernanda. La diosa des – alada. El cuerpo como espacio en el desplazado y sus narrativas de interpretación. Beca de Investigación del Ministerio de Cultura. 2002.

PIEDRAHITA, Lucrecia. Artes Plásticas en Antioquia  1950- 2055. De la esfera global al ámbito local, zonas del arte siglo XX – XXI. “Artes Plásticas en Antioquia”. IDEA, proyecto multimedial, Medellín 2005..

[1] ALAPE, Arturo. El 9 de abril, asesinato de una esperanza. En: Nueva Historia de Colombia. Tomo II. Historia política 1946 – 1986. Bogotá: Planeta, 1998. P, 33 – 35.

[2] ECO, Umberto. Historia de la belleza. Editorial Tecnos S.A, 1987.

[3] DOLTO, Françoise. La imagen inconsciente del cuerpo.  Barcelona: Paidós,  1984. p. 18

[4] BAUDRILLARD, Jean.  El intercambio simbólico y la muerte.  Caracas: Monte Ávila, 1992.  p. 117

Obra de la artista Pilar Aparicio. 2011

La Universidad Santo Tomás, a través de su Facultad de Arquitectura, abre Diploma en Museología, Museografía y Estudios Curatoriales.

El Diplomado desarrolla un proceso que vincula el discurso teórico y su aplicación práctica mediante estrategias de investigación, debate, maquetación y proyectación, soportadas en tres grandes núcleos o cuerpos conceptuales que se desarrollan de manera paralela, bajo una acción interdisciplinar: Núcleo de Pensamiento / Núcleo de Proceso / Núcleo de Acción.

Contará, dentro de su grupo docente, con destacados curadores, museólogos, museógrafos, críticos de arte y arquitectos del orden nacional e internacional.

La dirección del Diploma está  a cargo de Lucrecia Piedrahita Orrego. Museóloga / Curadora de arte / Especialista en Política y Periodismo (Eafit. UPB) / Candidata a Magíster en Pensamiento Estético Contemporáneo (México, D.F).

REQUISITOS

Es importante presentar la siguiente documentación:

1. Currículum vitae, constancia de estudios y un dossier de su producción personal o profesional.
2. Carta en la que exponga los motivos de su interés en el diplomado (máximo una cuartilla).

INFORMACION GENERAL

E MAIL:  direccioncomunicaciones@ustamed.edu.co
 

lucreciapiedrahita@gmail.com

Web: www.ustamed.edu.co

Teléfonos: 234 10 34. Ext 114

3113157067

DURACIÓN: 120 HORAS

HORARIO: VIERNES: 5.00 PM – 9.00 PM

SÁBADO:  8.00 AM – 12.00 PM  

PREINSCRIPCIONES: 1 DE JUNIO – 22 DE JUNIO

PUBLICACIÓN DE RESULTADOS: 22 DE JUNIO

MATRÍCULA: 13 DE JUNIO – 23 DE JUNIO

INICIO DE CLASE: 24 DE JUNIO

CIERRE DE CLASES: 1 DE OCTUBRE

VALOR DEL DIPLOMADO: $ 1.750.000

COSTO POR FIN DE SEMANA: $ 150.000

PROCESO DE SELECCIÓN E INSCRIPCIÓN

Las solicitudes de inscripción podrán presentarse en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Santo Tomás, directamente, por internet o correo postal, y serán evaluadas por un Comité asignado para tal fin. Los resultados se publicarán en la página web de la Universidad, y se notificará a cada seleccionado vía mail. En el caso de ser seleccionado, el interesado podrá realizar los trámites de inscripción y pago correspondiente en la cuenta número de la Universidad Santo Tomás:

Ahorros Bancolombia 1083 252 18 06

Ahorros Davivienda 0370 7012 9178

Favor enviar consignación al teléfono : 2 34 10 34 Ext. 201

INVITADOS NACIONALES E INTERNACIONALES

CURADORA PAULINA CORNEJO. MÉXICO, D.F / ARQ. BEATRIZ JARAMILLO. MEDELLIN / CURADORA MARIA BELÉN SAEZ DE IBARRA. BOGOTÁ /  MUSEÓLOGA ISABEL GARCÍA. MADRID, ESPAÑA / ARQ. MIGUEL MESA.  MEDELLIN / CRITICO LUCAS OSPINA. BOGOTÁ / ARTISTA GLORIA POSADA. BOGOTÁ / ARTISTA LUIS FERNANDO PELÁEZ. MEDELLIN /  CURADOR FÉLIX ÁNGEL. USA / ARQ. FERNANDO VIVIESCAS. BOGOTÁ / CRÍTICA DOMINIQUE RODRÍGUEZ. BOGOTÁ. / ABOGADA YOLANDA ÁLVAREZ. MEDELLIN / ARTISTA WOLFGANG GUARIN. MEDELLIN / HISTORIADORA CATALINA PÉREZ. MEDELLIN / HISTORIADORA TAMARA DIAZ. VENEZUELA / CURADORA MARIANGELA MÉNDEZ. BOGOTÁ / LUGAR A DUDAS. CALI / MUSEO DE ANTIOQUIA / MAMM / MUSEO EL CASTILLO / LA DOBLE ELLE / CASA TRES PATIOS. 

JUSTIFICACIÓN

El Diplomado entiende la museología, la museografía y los estudios curatoriales como prácticas del saber creativo, y enfatiza en los conceptos de espacio, tiempo, lugar, imagen, comunicación, sentido de la obra de arte y nuevos medios.

A partir de esta concepción, tiene como propósito fundamental ofrecer los elementos necesarios para que el estudiante comprenda los diversos momentos que conforman la museología, la museografía y las prácticas curatoriales mediante el examen de conceptos tales como colectividad, función pública, conservación, difusión, gestión del patrimonio y administración cultural. Así mismo ofrece las herramientas para desarrollar el modelo de guión museológico – museográfico y la organización esquemática de una exposición: investigación, preparación, producción y posproducción.

Al final de los cursos, el estudiante habrá adquirido las competencias teórico-metodológicas necesarias para analizar los elementos que conforman el patrimonio y su función comunicativa, y podrá proponer un tema–problema, en el plano museológico/museográfico/curatorial, para avanzar sobre modelos con posibilidad de aplicación en nuestro entorno: museos, galerías, casas–taller, centros itinerantes del arte, espacios web, bibliotecas, archivos, centros de documentación, administración de colecciones, talleres de artistas, laboratorios de creación, periódicos, revistas, industrias multimedia, empresas culturales e instituciones patrimoniales…, todos espacios de aplicación profesional del graduado.

Este Diplomado enriquece el desarrollo profesional y humanístico de los estudiantes al  entrecruzar campos investigativos como la arquitectura, la historia del arte, la comunicación, la economía, la etnografía, la historia, la filosofía, la antropología, la ciencia, las tecnologías y el diseño, entre otros.

DIRIGIDO A

Arquitectos, historiadores, agentes culturales, historiadores del arte, artistas, comunicadores, periodistas culturales, diseñadores, personal de centros de documentación –archivos, bibliotecas–, investigadores, productores audiovisuales, fotógrafos, profesionales multimedia, profesionales involucrados en la creación y producción de contenidos interactivos y, en general, a todas las personas interesadas en adquirir una visión integral de la museología, la museografía y los estudios curatoriales contemporáneos.

HABILIDADES PROFESIONALES DEL GRADUADO Y ESPACIOS EN LOS QUE PUEDE DESEMPEÑARSE

. Conoce los conceptos, principios y herramientas de la museología y la museografía para implementarlos en proyectos y sistemas específicos. 

. Entiende los museos y centros culturales como espacios de educación para el desarrollo.

. Aplica las herramientas de la museología, la museografía y las prácticas curatoriales a proyectos en centros culturales, industrias multimediales y procesos de creación personal.

. Adquiere bases teóricas y prácticas en los tres campos del saber del diplomado para actuar de manera crítica y propositiva en la resolución de problemas que vinculan la imagen, el espacio y los procesos de investigación.    

. Argumenta, analiza y reflexiona sobre los elementos conceptuales y formales vinculados a las prácticas artísticas contemporáneas.

. Formula y ejecuta proyectos de investigación curatorial.

. Participa de prácticas museográficas en algunos museos y espacios experimentales de la ciudad. 

CON OTROS OJOS
ÍCONOS REVISITADOS DE LOS 200 AÑOS DE LA PLÁSTICA EN COLOMBIA
POR: LUCRECIA PIEDRAHITA.
MUSEÓLOGA, ESPECIALISTA EN POLÍTICA Y PERIODISMO, BECARIA DE CURADURÍA DEL LIPAC – UNIVERSIDAD DE BUENOS AIRES, ARGENTINA
CONFERENCIA PRESENTADA DENTRO DE LA CELEBRACIÓN DEL BICENTENARIO. SABERES DE VIDA. UNIVERSIDAD EAFIT

“La memoria es un acto de la “visión” del pasado, pero también es un acto que está situado en la memoria del presente”. Mieke Bal.

Revisar el Bicentenario a través del arte y sus obras más emblemáticas permite reconfigurar un mapa de identidades y propiciar pensamientos múltiples que valoren las prácticas culturales como elementos de cohesión social en donde el buen arte sea, cada vez que se expone, objeto de nuevas observaciones, nuevas reacciones y ante todo un documento actual.

Conservar ideas para luego exponerlas forma parte del ejercicio intelectual y creativo. Observar con detenimiento la realidad para lograr unas lógicas de representación de la misma es oficio del artista. Encontrar una comunicación con la obra, acercarse a su interpretación es tarea de un espectador activo que busca ir más allá de las formas, se cuestiona y siente lo que pasa, en conclusión es un sujeto de experiencias.    

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Icono mutable.
El nuevo MAMM
Por: Lucrecia Piedrahita.
 Por: Lucrecia Piedrahita para el periódico Arteria-Bogotá
 
“De hecho, lo que está sucediendo es que la propia presión tecnológica está suscitando la necesidad de encontrar y desarrollar otras racionalidades, otros ritmos de vida y de relaciones tanto en los objetos como en las personas, en las que la recuperación de la densidad física y el espesor sensorial son el valor primordial…”.
Jesús Martín-Barbero. Des-figuraciones de la política y nuevas figuras de lo público.
 
Abordar una reflexión sobre el papel de los museos y las prácticas artísticas contemporáneas implica revisar los conceptos de industrialización, globalización, esfera de lo público, esfera de lo privado, introducción a la tecnología digital e interacciones entre comunicación y ciudadanía. El paso del siglo XX al XXI subraya la presencia de una sociedad posindustrial en la que la vida gira en torno a los servicios y a transmitir y procesar información. Todo esto conlleva a un cambio cultural  y permite el  análisis sobre las nuevas figuras de lo público.
En la reflexión por el nuevo Museo de Arte Moderno de Medellín hay que plantearse la relación entre ciudadanías culturales y las reconfiguraciones de lo público. Reinaugurado el 4 de noviembre de 2009, el MAMM tiene en su historia 32 años de plantearse preguntas, hacer esfuerzos por mantener una agenda cultural unas veces sólida otras veces lánguida y abrir espacios para el arte joven como lo fue el extinto Salón Arturo y Rebecca Rabinovich que por muchos años marcó un escenario de consolidación para nuevos nombres.

Actualmente el museo conserva dos sedes y se complementará con una tercera: la ampliación de Ciudad del Río que conformará un complejo museístico interesante, que se levantará en donde hoy están los parqueaderos de la sede del nuevo museo y que, según palabras de su directora, Juliana Restrepo “aun no sé sabe cuanto durará la construcción por que la contratación con el arquitecto ganador de la convocatoria aún no se hace”. Esperemos que este nuevo edificio, que plantea un juego de volúmenes, asimile la consolidación de un nuevo espacio público que entienda la ciudad como múltiple y expandible. Por lo tanto, los esfuerzos de los museos actualmente deben conducirse a estimular el diálogo entre el museo “interior” y el “exterior” urbano; que no se asuma como un ente aislado e independiente dentro del desarrollo de la ciudad sino que entienda la misma como una topografía con una significación que determina gran parte de su destino. En este caso el museo trasciende lo arquitectónico y se inserta en la vida social de la ciudad.

Así pues, es importante producir una reflexión más allá del museo. Hoy los límites entre ciudad y museo se difuminan. Surgen, entonces, preguntas – ¿cómo seguir pensando lo cultural? ¿Cómo romper la liminalidad entre lo público y lo privado? El museo debe ser el centro de coordinación y de interpretación bajo una óptica sensible y comunicacional de aquel organismo mutante que se entiende como una enorme muestra: la ciudad. Este debe ser el eje sobre el que se mueve la museología contemporánea.

Formar públicos es una de las funciones principales de todo museo, a ella se vincula la educación como el valor intrínseco del espacio que se manifiesta en todas las funciones y actividades: la institucional, la del equipo curatorial, la del visitante y la mirada de otras miradas. Estos son argumentos que son necesarios revisar en el momento en que el MAMM concentra todas sus fuerzas en la nueva sede. La sede de Carlos E. Restrepo, actualmente castigada con la marginalidad y la precariedad de su actividad cultural, y la nueva sede de Ciudad del Río conforman el espacio museográfico del MAMM. Carlos E. Restrepo ha sido una zona cultural que en compañía de la Universidad Nacional, la Universidad de Antioquia, Suramericana, la Biblioteca Pública Piloto, estudiantes y público de la zona han acompañado siempre la historia del museo.

Por su parte, la nueva sede de Ciudad del Río está enviando información a los públicos de la ciudad sobre su quehacer a futuro y sus diálogos con el entorno. No es un espacio predeterminado y fijo sino por el contrario, móvil y mutante. No es un museo de paredes, sino de conceptos. Falta ver si el contenido adquiere una fuerza transformadora del ejercicio cultural de la ciudad y que no corra el riesgo de convertirse en una aula-taller, no sólo por la significativa inversión económica que tuvo sino por la importancia capital de revitalizar las zonas que conforman su entorno urbanístico y la carga histórica que le otorga el instalarse en los antiguos Talleres Robledo, pero ante todo por re-pensarse para nuevas audiencias y subrayar el impecable trabajo museográfico que realizó el Grupo Utopía. “Es desgastante pensar en dos sedes, es un tema que va más allá de lo económico”, afirma la directora del MAMM, Juliana Restrepo. Sin embargo, menciona unas estrategias que se están definiendo para que la sede de Carlos E. Restrepo comparta agenda con las dos universidades: de Antioquia y Nacional. Es importante aclarar que como espectadores del museo percibimos el trabajo por afianzar unas estrategias de empoderamiento con equipos de las diversas áreas comprometidos en repensar nuevas políticas de reconocimiento en torno al espacio museo.
De ahí que esto permita referenciar algunos factores que se derivan de una mirada amplia que se plantea para la lectura de un museo que en sus últimos años demostró un aletargamiento en la conducción de sus funciones públicas: indagar sobre los conceptos de colectividad, función pública, difusión cultural y sentidos de la obra de arte.

Sabemos que el punto más álgido en la proyección de un centro de arte y cultura es gestionar los recursos económicos para lograr resultados y consolidarse en el tiempo… “La mitad de los recursos son gestionados por la dirección, un 25% son aportes de la Secretaría de Cultura Ciudadana, El Ministerio de Cultura apoya poco y lo hace a través de proyectos específicos. Igualmente se buscan recursos con la empresa privada y hemos cambiado el modelo de donación por el de servicios prestados. Para ello abrimos un abanico cultural, tenemos las visitas guiadas, los recorridos de ciudad”. Trabajo que se complementa con talleres artísticos, museo móvil, exposiciones permanentes e itinerantes, conferencias y seminarios, exposiciones de artes plásticas, arquitectura y diseño, cine y video, tienda de objetos y café y restaurante… “Sin embargo la empresa privada no entiende bien el trabajo de la actividad cultural y los problemas económicos son siempre una preocupación”, concluye la directora, no sin antes valorar los esfuerzos y logros financieros que presenta en los dos últimos años.

-Ciudadanías culturales y reconfiguraciones de lo público-
En las relaciones existentes entre ciudadanía y comunicación se hace urgente reflexionar por la circulación planetaria de las imágenes, cuya ubicuidad e instantaneidad ponen de manifiesto la consolidación de un nuevo espacio público global que se vincula al nuevo poder de representación. De cara a nuevas manifestaciones y resistencias sociales, producto de nuevas tendencias basadas en la economía globalizante, la ciudadanía demanda de la comunicación la elaboración de nuevos modelos de análisis y de propuestas conceptuales, capaces de superar los acercamientos tradicionales a las llamadas audiencias o públicos.

En ese sentido me atrevería a decir que apostando por la idea de un postmuseo que busca que el público cree su propio conocimiento, el programa Pasaporte al Arte, que se desarrolla cada martes a manera de exposición y conversatorio y liderado por el artista y docente Fredy Alzate está configurándose como uno de los mejores espacios en la ciudad para la discusión del arte: “buscar un orden contextual, abrir preguntas y activar un diálogo, son objetivos de este programa que busca formar estudiantes, guías e invitar al público para así activar una experiencia diferente en relación con el espectador que visita el museo. Sabemos que no tenemos un público formado en Medellín, la idea es buscar estrategias para ese visitante, desde sus conocimientos y en relación con el mediador que está en las salas y que tiene, entre sus funciones, inquietar al otro”, sostiene Fredy Alzate.

Pasaporte al Arte es una buena estrategia que busca nexos entre los generadores del discurso expositivo y los visitantes. Con un esquema polivocal y dialogante este programa contribuye a nuevas lecturas dentro de las prácticas artísticas. Es un ejercicio que permite la interacción entre el espectador y la obra y lo convierte en un proceso público y de participación abierta.

Mirarse desde el Museo
Por su parte Oscar Roldán, director de curaduría, señala que el MAMM no tiene políticas curatoriales sino que él las llamaría estrategias de desarrollo y proyección. “El museo no defiende la figura de curador sino un cuerpo colegiado que asesora, que señala unas directrices, que redefine políticas, que está atento a reconocer la memoria del MAMM, dentro de otras funciones. En este sentido reconocen que el MAMM no nació en el 2009 sino en 1978.  “El MAMM es un espacio industrial reciclado que tiene el encanto del tiempo”. “La colección del museo es de arte moderno, es decir, de arte convencional, de bulto”. Y continúa “No buscamos ser la meca del arte paisa [pero] en diez años veo al MAMM como un referente cultural de América Latina”. “Un curador es el homólogo del editor, es el que sabe cortar, pegar y diagramar”. El director de curaduría del MAMM es artista y tiene un máster en Ciencias Políticas.

Los retos del MAMM son grandes, sobretodo frente a las múltiples figuras de la diversidad cultural y la presencia de un nuevo sujeto político y cultural que aprovecha las mediaciones para lograr mayor identidad y participación.

GENERACIÓN CINCUENTA: EL DISCURRIR DE UNA DÉCADA

“Verdad, en el arte es aquello cuyo contrario puede ser igualmente verdadero”.

Oscar Wilde.

ESFERA LATINOAMERICANA

En Latinoamérica el deseo expreso es comunicar sensaciones y emociones de manera libre, suelta y espontánea que se traduce en la mancha, la pincelada suelta y el espacio vacío.  “El expresionismo abstracto.  A mediados de la década del 50, la tendencia a la abstracción en el continente, no señala la atención de una moda internacional sino más bien es ‘impulso persistente’ hacia la expresión subjetiva de que habla la crítica norteamericana Dore Ashton”. 

América Latina aportará un número significativo de artistas que desfilaron por los caminos de la abstracción, una abstracción reinterpretada y sellada con un tono poético que permitió a los artistas, pintar de manera más amplia y libre sin los pesados lazos que los amarraban a la tradición.

México tendrá en Lilia Carrillo una de las representantes más fuertes del expresionismo abstracto, así mismo Manuel Felguerez, Rodolfo Nieto, Gilberto Aceves Navarro, Pedro Coronel, Roberto Donis, Edmundo Aquino, Arnaldo Coen, el español Vicente Rojo radicado en México y Viady (ruso) y establecido en México, también.  Argentina será un centro propicio donde la vanguardia llegará con fuerza.  La presencia del crítico de arte Jorge Romero Brest y el apoyo del Museo de Bellas Artes, será definitivo para el desarrollo de las artes plásticas en esta región.  Se destacará Sara Grilo –aunque sus obras pueden identificarse, hay en las letras y grafías de Grilo, los espacios manchados por Testa, la concepción más informalista y heráldica de Fernández Muro y la aproximación a la geometría de Kazuya Sakai-7.   El grupo de los abstractos en Argentina, durante la década de los 50 lo complementan Josefina Miguens, Mario Pucciarelli, Alberto Greco y Víctor Chab.

El expresionismo abstracto tocará varias latitudes en Latinoamérica.  Es Marta Traba quien identifica las características de este fenómeno que en nuestro medio se visualizará a través de manchas, pinceladas sueltas y distanciamiento rotundo y, en otros casos tímidos, de la figuración.  Algunos representantes son: Panamá: (Alfredo Sinclair, Guillermo Trujillo, Manuel Chong Neto, Antonio Alvarado).  Guatemala: (Luis Díaz, Efraín Recinos, Roberto Cabrera).  Nicaragua: Armando Morales, Cezar Izquierdo, entre otros.

Esa caracterización latina del expresionismo abstracto hará un entrecruzamiento con los elementos prehispánicos y se desarrollará con fuerza en los países de la zona andina, así mismo el informalismo español encontró eco en estas regiones, especialmente con Enrique Tabara de Ecuador.

Perú tendrá en Fernando de Szyszlo la figura más destacada de la generación cincuenta que abrirá caminos a los peruanos Enrique Galdós Rivas, Venancio Shinki, Arturo Kubotta y a Luis Hernández Cruz  de Puerto Rico.  Cuba aportará la obra de Raúl Milián, Rafael Soriano, Raúl Martínez y Fayad Jamis.  Brasil alejado de la zona prehispánica ofrece una pintura expresionista cargada de un intenso cromatismo propio de su región,  (Manabu Mabe, Tomie Ohtake ambos de Japón pero radicados en Brasil, el italiano Danilo di Prete, todos pintores).

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Tuve el honor de participar en el libro que rinde homenaje al gran personaje de Antioquia y de Colombia, el Dr. José Gutiérrez Gómez. Por invitación de su familia escribí un texto para el libro que conmemora el centenario del nacimiento de uno de los hombres más importantes de este país. Un líder empresarial, social y cultural a quien conocí y fue mi asesor, maestro y amigo en tantos momentos de mi gestión como Directora del Museo de Antioquia y Directora de la Bienal Internacional de Medellín. .
Para el libro se invitaron a altísimas personalidades de la vida nacional: El Presidente de la República, Dr. Álvaro Uribe Vélez, Dr. Belisario Betancur, Dr. Gabriel Poveda Ramos, Dr. Alberto Villegas, Dr. Jorge Iván Rodríguez, Dr. Manuel Echandía, Dr. Luis Carlos Villegas, Dr. Ignacio Vélez Escobar, Dr. Jorge Alberto Uribe Echavarría, Dr. Fabio Rico Calle, Dr. Mariano Ospina Hernández, Dr. Bernardo Hoyos, Dr. Álvaro Velásquez Cock, entre otras distinguidas figuras del sector empresarial y social del país. 
El día del lanzamiento del libro me encontraba en Buenos Aires – Argentina, cumpliendo con los compromisos de la beca en curaduría que me otorga el LIPAC de la Universidad de Buenos Aires. Por lo tanto quiero compartirles mis palabras  para nuestro querido Don Guti.
La presentación oficial del libro se realizó el lunes 27 de julio, a las 11:00 de la mañana, en la Universidad Eafit.

Don Guti, el empresario, el asesor, el humanista que nos enseñó la cultura y el buen arte
Por Lucrecia Piedrahíta Orrego

Escribir unas palabras para el hombre que participó en el diseño de los múltiples perfiles de Antioquia, es un honor. Con el Dr. José Gutiérrez Gómez el arte y la cultura tuvieron huéspedes. Su trabajo incansable por proyectar la ciudad y el departamento hizo posible que se realizaran y desarrollaran importantes proyectos museológicos: Museo de Antioquia y Museo Pedro Nel Gómez, entre otros; se construyera el Teatro Metropolitano, se encomendaran  investigaciones sobre la vida y obra de artistas de la región y apoyó programas de entretenimiento cultural porque él como nadie valoró al individuo en todas sus perspectivas.

Como Directora del Museo de Antioquia (1993-1997) tuve el privilegio de acercarme a  uno de los más destacados prohombres de Antioquia de quien aprendí grandes lecciones de vida. Me acompañó en la proyección del Museo, creyó en la importancia para mantener vigente la reflexión sobre la cultura y reconocer su aporte como instrumento vital en la tarea transformadora de la sociedad.

Desde el Museo de Antioquia compartimos exposiciones, conferencias, tertulias, encuentros con artistas nacionales e internacionales, discutimos textos, celebramos las donaciones que llegaron al centro cultural y compartimos la inmensa felicidad de la institución cuando en 1996 recibimos la llamada del maestro Fernando Botero anunciando su vinculación  a la celebración de los 115 años del museo y ofreciendo la donación de un número significativo de obras y una cifra en dinero para lograr unas mejores condiciones museológicas y museográficas. Este noble gesto que compartimos de manera inmediata con el entonces Gobernador de Antioquia y hoy Presidente de la República, doctor Álvaro Uribe Vélez y el Alcalde de Medellín, doctor Sergio Naranjo Pérez, lo recibimos como un apoyo al papel definitivo del Museo en la historia local y nacional, hecho que sería la base para la consolidación del Proyecto Ciudad Botero que tiene a Medellín como un centro cultural de alcance internacional.

El doctor José Gutiérrez Gómez estuvo muy cerca de los eventos culturales de la ciudad y apoyó la revitalización del espacio público a través de obras de arte urbano que enriquecieran el paisaje de la ciudad. Estableció puentes entre las organizaciones y sus líderes para pensar en grande y soñar una ciudad y un departamento incluidos en la esfera nacional y global. Su retrato está filtrado por largas reflexiones y enseñanzas permanentes. El retrato es la representación de la personalidad, es el género artístico que nos permite la diferenciación y la individualidad. Es el espejo en el que podemos observarnos, es la posibilidad psicológica para conocer al personaje que nos devuelve la mirada, se nos ofrece de frente o de perfil y nos devela su interior. Para reconocer un buen retrato es necesario el ojo. El ojo nos permite acercarnos al alma de quien observamos, el ojo recorre al retratado, el ojo se detiene en los trazos que ha delineado el tiempo. El retrato retrae a nosotros no sólo la corporeidad sino el interior de una persona. Siempre subrayó la cultura como un patrimonio de todos, como el espacio que representa los sentidos de la vida, como la gran aventura de la comunicación y por ello confió el papel de reconstruir su mapa como un acto colectivo.

La autografía atestigua el uso de la firma. La firma es una condición sine qua non de valor, como afirma el crítico Carlo Ragghianti,  “La firma es una norma estética y una ley moral del hacer humano. El autógrafo no consiente dudas, equívocos o arbitrios al espectador”. Así fue Don Guti, así lo recordamos, un hombre de palabra, refinado, dominado por una personalidad de contornos definidos que resaltó el valor de la verdad. Cada día su presencia adquiere fuerza. Don Guti, el empresario, el asesor, el humanista nos enseñó que la cultura y el buen arte inician precisamente ahí donde comienza la elegancia.

El fenómeno del desplazamiento forzado requiere ser analizado y visibilizado desde múltiples perspectivas. Desde hace 9 años he dedicado mi trabajo investigativo al estudio de esta problemática dolorosa que padece Colombia. Mi interés es el estudio de la casa para el desplazado, sus significados, sus arraigos. Así mismo el cuerpo como espacio para el desplazado.