Otra perdida en el mundo salsero: murió el sonero puertorriqueño Luisito Ayala, de figuración destacada en las orquestas de los Hermanos Lebron, Bobby Valentin y Eddie Palmieri.

Fue uno de los encargados de suplir la ausencia por enfermedad de Pablo Lebron en los años 80 y permaneció en la orquesta durante más de 15 años. Con Eddie Palmieri de destacó como vocalista en los años setenta en varios discos, uno de ellos ganador de un premio Grammy a mejor disco de salsa.

Su carrera la forjó en la ciudad de Nueva York, a donde llegó en su adolescencia. Debutó en música latina a la edad de 18 años, cuando se dirigía a Panamá desde su natal Puerto Rico con uno de sus mentores, Roberto Roena y su orquesta Apollo Sound.

También pasó por las agrupaciones de Rafael Cortijo y su Combo, Tito Puente Orchestra, Orquesta de Machito, Joe Cuba, Larry Harlow, Carlos “Patato” Valdez, Kako, Santiago Cerón, Santi Ralphi, Ray Santos Orchestra, Orquesta Yambo, Orquesta Tambo, Borincuba, y Johnny El Bravo Lopez.

Los músicos con los que compartió tarima lo recuerdan por su energía en el escenario y su don para el soneo. En los últimos años trabajó como solista.

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Rafael Ithier, el director y fundador del Gran Combo de Puerto Rico está hoy de cumpleaños. El veterano músico cumple 86 años y sigue al frente de los Mulatos del Sabor, dueño de una gran vitalidad que le permite decir que el retiro no está en sus planes. Semblanza de un autodidacta musical, baluarte y un cocinero mayor de la SALSA…

La música lo salvó de la guerra

La guerra de Corea era inminente. El joven soldado puertorriqueño Rafael Ithier, al servicio del ejército norteamericano, temía ser enviado al campo de batalla. Lo suyo era la música. Había sido pianista de varias agrupaciones en su natal San Juan antes del servicio militar.

Su misión en esa época (año 1950) era organizar una orquesta para amenizar las fiestas de la base militar. Pero el grupo no progresaba porque el soldado con alma de músico no apuraba el acople de la incipiente banda. Quería ganar tiempo. “Lo siento mi sargento, el grupo no está listo para presentarse”, decía Ithier cada vez que lo requerían. Al final, su astucia lo salvó de la guerra. Varios de esos músicos conformarían luego la banda Borinqueña Mambo Boys. A partir de entonces Ithier se ganaría la vida en un piano.

Con esa misma astucia, y después de seis años gloriosos y una dolorosa separación del Combo de Cortijo, uno de los conjuntos más exitosos de la música antillana, este músico autodidacta fundó al Gran Combo de Puerto Rico. Llamó a varios de los mejores músicos del desaparecido Combo y a dos cantantes muy jóvenes: Andy Montañez y Pellín Rodríguez. El 26 de mayo de 1962 marca la fecha de nacimiento de la orquesta, convertida hoy en una leyenda viviente del género, con 48 años de vigencia en el pentagrama musical de la salsa y 57 producciones discográficas.

La receta musical

Desde su primera presentación en el salón Rock and Roll de Bayamón (Puerto Rico) el Gran Combo revolucionó la música antillana con un ritmo de clave innovador para entonces, que apuntaba al oído del bailador. Las letras jocosas de sus canciones en el vozarrón de Andy Montañez y de Pellín Rodríguez impactaron de entrada. A eso se sumaron una imagen fresca y sus vistosas coreografías, que pronto le dieron una identidad propia a la banda, en tiempos en que las orquestas proliferaban. Para su fundador, “la fidelidad a un estilo original, pero al mismo tiempo la adaptación a la evolución musical y la disciplina de grupo nos han permitido llegar hasta donde estamos hoy”, dice el director del grupo, de 84 años de edad. Con esta fórmula sobrevivieron a los tiempos difíciles de la industria, el género y el paso de los años y las modas.

Uno de los momentos difíciles que recuerda Ithier fue cuando en los años setenta partieron las dos voces insignia del grupo. Según el músico, “muchos decretaron la muerte del Gran Combo”. Pero de nuevo la sapiencia del director salió a relucir al encontrar dos voces que se acoplaron al estilo de la banda. La llegada de los nuevos cantantes (Jerry Rivas y Charlie Aponte) refleja el conocimiento y liderazgo de Ithier para manejar su orquesta. Cuando Rivas, blanco y rubio, se presentó en reemplazo del estelar Andy Montañez, los demás músicos, la mayoría morenos, lo miraron con recelo. Ithier, con su tradicional buen humor, les salió al paso: “Ustedes quédense tranquilos, es un negro pintado de blanco”.

En la cúspide del éxito hoy pocos recuerdan las vicisitudes para consolidarse, tras la desintegración de Cortijo y su Combo (por indisciplina de los músicos, entre ellos Ismael Rivera), de donde procedía la base de músicos del Gran Combo. Ithier recuerda cómo fueron tildados de “traidores” por el público y el medio musical. “Varias veces nos contrataron en clubes y cuando llegábamos a tocar y nos veían nos cerraban las puertas. Fueron tiempos difíciles, no teníamos ni dónde ensayar”. La orquesta estuvo a punto de desaparecer, cuenta su director, quien desilusionado se encerró en su casa, decidido a abandonar la música.

“Los músicos me fueron a buscar y después de rogarme que dirigiera un tiempo, regresé. La verdad es que con tantos problemas pensé que el grupo duraría uno o dos años como máximo y mira donde estamos ahora”, confiesa Ithier. Pero la constancia, la férrea, pero amistosa disciplina y el virtuosismo de los 14 integrantes del grupo dieron sus frutos. Solo en 2005 se presentaron en 137 en todo el mundo. Ya son 48 años los que cumplen Los Mulatos del Sabor, La Bandera Musical de Puerto Rico o la Universidad de la Salsa, apelativos con los que se conoce al legendario grupo.

Seis décadas cocinando salsa

Rafael Ithier en los años 50, pianista de Cortijo y su Combo.

Ithier infundió al Gran Combo de Puerto Rico un estilo basado en un ritmo bravo hecho para el bailador y la alegría de sus letras y la orquesta en tarima.

Rafael Ithier es el padrino musical de muchos salseros, como Gilberto Santa Rosa.

En los años setenta entendió el nuevo rumbo que tomó la música antillana, ya denominada salsa y se adaptó a los cambios. Introdujo el trombón a la sección de vientos para darle un sonido moderno. Treinta años después, cuando surgió la corriente de la salsa romántica el Gran Combo supo mantenerse vigente y trabajó en esta línea, aunque sin perder su estilo, pero aún así las críticas llegaron. “La música evoluciona como todo y nosotros nos adaptamos a los cambios. Muchos ortodoxos del género no lo aceptan y nos criticaron, pero por esta razón muchas orquestas desaparecieron”. Sin embargo, Ithier es uno de los defensores de la salsa clásica y un crítico de la llamada salsa monga (romántica), hoy en decadencia por el resurgimiento de la salsa dura. “A esos chiquitos les falló la fórmula. No sabían lo que era la clave y le quitaron todo el sabor a nuestra música, todos hacían lo mismo y eso espantó al bailador. Hasta decían que la clave era un atraso en la música”.

En los círculos del género y la industria musical latina, su influencia es más que reconocida. Fue a Ithier a quien buscó Gilberto Santa Rosa para pedirle consejo y apoyo para convertirse en solista tras pasar por orquestas como la de Willie Rosario. En la actualidad Rafael Ithier continúa en la dirección del Gran Combo y no tiene planes de retiro, aunque hace tres años no se sienta al piano debido a la pérdida de audición, según el mismo, “por una enfermedad mal cuidado por no dejar de viajar con la orquesta”.

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JAIRO VARELA: 1949-2012

La historia de la música colombiana recordará a Jairo Varela como ese testarudo y a veces controvertido compositor chocoano que con un cuaderno lleno de sus canciones debajo del brazo conquistó sus sueños musicales, un sueño llamado el Grupo Niche.

In Memoriam

En esa historia quedó escrito que nació el 9 de diciembre de 1949 en Quibdó (Chocó). Sus padres fueron el comerciante antioqueño Pedro Antonio Varela Restrepo y la escritora y poetisa chocoana Teresa de Jesús Martínez Arce. El final de su vida llegó el 8 de agosto de 2012, por un infarto cuando se encontraba en su casa en la ciudad de Cali.

Su primer contacto con la música se produce a los ocho años de edad, en el barrio Roma de Quibdó en donde conformó la agrupación La Timba, que en esencia era una dulzaina, bongó, maracas y güiro. En su tierra natal cuentan que su talento artístico y habilidad comercial la hereda de su abuelo Eladio Martínez Vélez. De él aprendió mecánica, ebanistería y a tocar guitarra.

Su madre, Teresa Martínez, fue escritora y poetisa que siempre apoyó su vocación musical. “Desde el comienzo ella vio mis aptitudes. A los ocho años me regalo una guitarra con el poco dinero que había. Imagínense, hizo el esfuerzo de su vida para hacerme ese regalo“, dijo el compositor en entrevistas.

Sin apoyo ni recursos económicos, el joven y desconocido compositor hizo realidad sus sueños musicales lejos del calor, los currulaos y chirimías y el jolgorio de su tierra natal. Fue en Bogotá donde en 1978, junto a otros músicos caleños y chocoanos, fundó el Grupo Niche, la agrupación con la que se dio a conocer como uno de los compositores colombianos más destacados. En 1979 se grabó el primer disco de la nueva agrupación salsero: “Al Pasito”.

“Todo era un sacrificio, no había ni para comprar las cobijas… la salsa apenas despuntaba en Colombia y nos reuníamos todos los músicos en la Avenida 19 de Bogotá y cuando nos veían pasar nos gritaban: allá van los chocoanos, nosotros apenas nos reíamos, seguros de que algún día seríamos grandes“, relató muchas veces el recién fallecido director y fundador de la orquesta.

Jairo Varela con los cantantes del Grupo Niche Elvis Magno, Mauricio Castillo y Eddie Saa.

Nombrar a Jairo Varela Martínez es sinónimo de música. De salsa colombiana. Pero no fue músico profesional, ni sabía leer partituras ni componía los arreglos musicales de su orquesta. Pero aún así, con esta falencia que muchos le criticaron, logró convertirse en uno de los pocos directores que sin ser músico pudo liderar y mantener vigente durante más de 30 años su orquesta y posicionarla como una de las más importantes de Colombia.

De su madre poetisa heredó el talento para componer y empezó una carrera creativa que lo condujo a escribir centenares de canciones de variadas temáticas a medida que evolucionó el Grupo Niche y el mismo género conocido como la salsa, que el mismo definía como una mezcla de ritmos latinos “tan ricos que nunca va a desaparecer“.

Desde los temas rumberos, hasta temas de contenido social como Miserable, Un Alto en el Camino o del folclor de la región Pacífica como la Canoa Rancha, caracterizaron su obra musical. Con su puño y letra pregonó su inocencia cuando fue condenado a prisión por vínculos con el narcotráfico y en prisión escribió las canciones de su disco A Prueba de Fuego.

El legado musical

Para este niche compositor, la música era más que una profesión, era un plan de vida, que dejó su huella firme y fuerte en la memoria de quienes bailaron centenares de éxitos como el clásico e inmortal Cali Pachanguero.

El maestro Julio Estrada “Fruko” destaca que esta canción es más que un homenaje a la sucursal del cielo y la describe como un himno internacional por el que se le reconoce al país en el exterior. “En Barranquilla se baila, en Medellín se baila… Cali pachanguero es un tributo a una ciudad linda, llena de cariño, de imaginación. Jairo Varela le ponía música a los colores y fue un hidalgo intérprete de nuestra música, él fue un gran compañero y colega”, dice Fruko con la voz entrecortada acordándose de la cordial relación que tuvieron. Ambos  fueron protagonistas en la internacionalización del género

Fruko confiesa que “sus canciones son inolvidables y me mueven el piso. Por ejemplo Una Aventura. Esa nos llena de simpatía y además le canta al amor de tal manera que hace un idioma diferente que enaltece a la cultura. Él no solamente hizo salsa romántica sino también salsa dura, como Cali Ají”.

A estos sentimientos y recuerdos hacia Varela también se une el cantante caleño de la orquesta de Los Hermanos Lebrón, Virgilio Hurtado: “Su legado es muy grande porque fue una persona determinante en la vida, no en la historia musical solamente, en la vida de los músicos. Fue la persona que dio a conocer la salsa colombiana en el extranjero. Es que él, con el Grupo Niche, fue pionero en hacer buena salsa colombiana para el mundo”.

Diego Galé, quien como percusionista compartió con Varela en siete producciones discográficas, también lo recuerda como una escuela musical: ”Lo último que hicimos juntos fue el mano a mano de Galé y Niche hace unas semanas. Jairo significa mucho para la historia de la salsa colombiana. Mucho de lo que aprendí se lo debo a él. La canción que más lo identifica es Cali Pachanguero pero la que más le gustaba era Sin Sentimiento y esa es la que más me gusta a mí“, quien sostiene que con la agrupación continuarán sus hijos, “pero es indiscutible que se va un buen compositor“.

Esta opinión la comparte Álvaro Gómez, mánager del Grupo Niche en las épocas gloriosas de los años 80 y 90. “Jairo Varela fue para la música lo que Pambelé fue para el boxeo. Él nos enseñó a ganar, a ser grandes. Marcó un camino para muchos jóvenes que entendieron que se podía vivir de la música. Miles de colombianos se enamoraron, se enrumbaron, dedicaron y se entusaron con su música“.

Entrevista en Medellín: “La salsa jamás será desplazada”

A mi modo de ver el valor del fallecido maestro Jairo Varela radica en haber sido valiente para proponerse crear un estilo propio que muchos denominan la salsa caleña, en tiempos en que los melómanos colombianos éramos consumidores de la salsa que se producía en New York, Puerto Rico, Cuba, Venezuela. Así fue como el Grupo Niche (nombrado así en honor de la raza negra, temática que siempre estuvo muy presente en su obra musical) se le considera la responsable de “internacionalizar” la salsa colombiana. Prueba de ese logro fue la histórica presentación en el mítico escenario del Madison Square Garden en Nueva York en 1986.

A su faceta de compositor le agregó una habilidad para promocionar su orquesta y mantenerla exitosa en términos comerciales, a medida que aparecían modas musicales o luego, en la última década, en momentos de crisis de la industria musical. Ejemplo de ello fue su incursión en los años noventa en la denominada salsa romántica, con el exitoso disco Cielo de Tambores (1991), que a pesar de su importancia en la historia del grupo, le valió criticas de los más ortodoxos melómanos y coleccionistas de la salsa dura.

También demostró tenacidad para reponerse a momentos difíciles, como la salida de importantes músicos y cantantes. A finales de 1990 se retiró Tito Gómez, el cantante puertorriqueño que marcó una época exitosa. Con el también partió el pianista Álvaro Cabarcas, el popular “Pelusa”, otro “histórico” miembro del grupo. Varela fichó una joven voz bogotana, integrante de los Alfa Ocho: Carlos Alberto Cardona. Los resultados confirmaron el buen oído de Jairo Varela y Charly Cardona triunfó con su estilo romántico. En la última década sucedió lo mismo con la exitosa dupla de Javier Vásquez y Willie Garcia, que se retiraron con varios músicos para conformar Son de Cali. Una vez más el director reclutó nuevas músicos y voces como Mauricio Castillo (hoy solista), Elvis Magno, Eddie Saa y Julio López, los intérpretes actuales.

“Todos en su momento han sido importantes. Tanto Álvaro del Castillo como Moncho Santana en los comienzos, Tito Gómez, Charly Cardona, Willy García y Javier Vásquez. Unos han aportado su grano de arena, otros un bulto de cemento, pero todos han puesto lo suyo”, respondía Varela cuando se le preguntaba por los cantantes de la banda.

Polémico y talentoso director

De Jairo Varela se han dicho muchas cosas. Un temperamento fuerte que durante los 32 años con la batuta del Grupo Niche le generó fricciones con músicos, cantantes y la propia industria musical, que lo acusaron muchas veces de déspota y prepotente. Así ocurrió en 1987, en plena Feria de Cali y con la orquesta en la cúspide del pentagrama musical, los músicos le renunciaron al unísono tras reclamos laborales y diferencias por su férreo y hasta polémico estilo de dirección. Varela no cedió, llamó a nuevos músicos y prosiguió con su historia musical y prueba de eso fue su siguiente disco “Tapando el Hueco”. De esa disidencia de músicos nacieron varios orquestas.

En la Feria de Cali de 2006, en los días previos a un publicitado duelo entre Niche y Guayacán, Varela respondió así cuando le preguntaron por la rivalidad entre ambas orquestas: “Nosotros siempre hemos cobrado más que Guayacán“. Y al pedirle que definiera al Grupo Niche sentenció: “Soy yo“.

Aunque el cantante caleño Virgilio Hurtado no desmiente esta apreciación, recuerda que su temperamento era consecuencia del alto índice de exigencia que tenía en todo lo que hacía el maestro. “Cuando las cosas le funcionaban bien estaba contento. Y es que una persona que logró todo lo que logró tiene que ser exigente“, aporta Hurtado y lo complementa Fruko, “Nunca tuve problemas con él supe que sí era una persona delicada en su carácter pero esa disciplina y seriedad hicieron que su orquesta fuera una de las mejores de la música colombiana“.

Aún así, nadie desconoce su conocimiento y talento para hacer de su grupo una escuela de cantantes y músicos que se dieron a conocer en el Grupo Niche y luego tomaron sus propios rumbos creando nuevas agrupaciones como el músico y arreglista Alexis Lozano con su orquesta Guayacán o Son de Cali, y en otros casos, iniciando carreras de solistas como el recordado sonero puertorriqueño Tito Gómez.

Diez canciones con historia de su puño y letra

¡Qué descanse en salsa maestro Jairo Varela!

Rafael Ithier (director), Willie Sotelo (piano), Jerry Rivas, Charlie Aponte y Papo Rosario (cantantes), Freddie Rivera (bajo), Taty Maldonado y Víctor Rodríguez (trompetas), Moisés Nogueras (trombón), Freddie Miranda (saxofón), Eddie Pérez (saxofón alto), Miguel Torres (congas), Domingo Santos (timbales), Richie Bastar (bongó).

Mucho antes que existiera la salsa como género musical, una nueva orquesta se impuso con el ritmo de clave. El Gran Combo de Puerto Rico celebra hoy 26 de mayo 50 años de historia musical, cinco décadas en las que se convirtió en una de las orquestas legendarias de la música latina y en la Universidad de la Salsa.

Así comenzó la historia

Ese grupo de músicos puertorriqueños frustrados y tratados como “traidores” por abandonar el famoso Combo de Rafael Cortijo, que a principios de 1962 pensaban en retirarse de la música porque no conseguían disquera y ni siquiera donde ensayar, cumple este 26 de mayo 50 años de carrera musical.

El Gran Combo de Puerto Rico, tras un comienzo tortuoso,  se impuso a  las modas musicales, las crisis de la industria del disco y  se convirtió en una de las orquestas más importantes de la salsa, la más representativa de Puerto Rico en todo el mundo y en una escuela para músicos salseros de tres generaciones.

El salsero puertorriqueño Junior González falleció hoy a los 63 años en un hospital de San Juan (Puerto Rico) debido a complicaciones en el páncreas e hígado. En los últimos meses su salud se había deteriorado, al mismo tiempo que el sonero celebraba 40 años de carrera musical. En Conga&Bongo lo recordamos reproduciendo la entrevista en su última visita a Medellín en 2011. ¡¡¡Que descanse en salsa!!!

Entrevista

La imagen de su juventud en Puerto Rico regresa a la mente del veterano sonero para recordar que pasaba horas escuchando la radio a la espera de escuchar la música de Tito Rodríguez, Rafael Cortijo y su Combo con Ismael Rivera. Eran mediados de los años sesenta y el joven Junior González soñaba con ser un cantante de esa música caliente que desde el Caribe conquistaba al mundo.

El anhelo se cumplió y las últimas cuatro décadas de su vida las ha pasado este puertorriqueño cantando en los escenarios en el mundo, como una de las figuras de la salsa y sobrevivientes de esa generación de músicos y cantantes que la famosa disquera Fania Records convirtió en leyendas de la música latina.

Nacido el 7 de mayo de 1949 en Coamo, distrito central de Puerto Rico, inició su carrera en 1971 como cantante de la orquesta del pianista Larry Harlow.  El puertorriqueño vino a Medellín como parte de una gira de conciertos para celebrar 40 años de su carrera musical. Su presentación fue un recorrido por los clásicos de la salsa que cosechó en este tiempo, desde sus inicios con la orquesta de Larry Harlow, su paso por las agrupaciones de Tito Puente y Joe Cuba y su etapa como solista.

Muchas de estas canciones, como El Paso de Encarnación, La Cartera, Gracias Divina, Soy Sensacional, suenan con fuerza en los bares salseros de Medellín y fueron parte del repertorio del sonero. “Desde que era niño quería cantar salsa, era mi sueño y nada mas y Dios me lo permitió hasta el sol de hoy”, dijo Junior González en Medellín.

Debut inolvidable

A pesar del paso de los años y las modas musicales, Junior González ha conseguido mantenerse vigente en el ambiente musical y mantiene la vitalidad en tarima que le valieron reconocimiento en medio musical. Fue esa misma pasión por la salsa y su energía la que le permitieron abrirse camino en el competido medio musical de los años setenta en Nueva York, ciudad a la que llegó en 1967, a los 16 años, para perseguir su sueño de convertirse en cantante.

Tras unos primeros trabajos como corista, un amigo lo invitó a unos ensayos de orquestas. En una de estas jornadas llegó su primera gran oportunidad cuando lo invitaron a cantar con la famosa orquesta de Larry Harlow. “Fue toda una sorpresa, porque ahí mismo Ismael Miranda, la voz principal, me dijo que yo iba a reemplazarlo”. Pero la prueba de fuego que marcó su carrera llegó en 1971, cuando Fania Records preparaba un gran proyecto: la ópera latina titulada “Hommy”.

Cuando llegó el día de la importante grabación, el joven Junior González no podía creer lo que vio en el estudio. “Yo tenía el papel del niño (Hommy) y entonces vi que mi madrina en la obra era Celia cruz, mi padre Justo Betancur, mi tío nada más que Cheo Feliciano y también estaban Adalberto Santiago y Pete ‘Conde’ Rodríguez… eran mis ídolos, yo soñaba con conocerlos y estaba ahí para grabar con ellos. Mi reacción fue que me puse a temblar, se me querían partir las rodillas y tuve que pedir que apagaran la luz del estudio para poder grabar mis números”.

En su año de debut publicó su primer disco, “Hommy”, ópera latina en la que participaron reconocidos salseros como Celia Cruz, Cheo Feliciano, Pete “El Conde” Rodríguez, Justo Betancourt y Adalberto Santiago. Un año más tarde lanzó su segunda producción, “Salsa, un clásico”, bajo el sello Fania Records, al que siguió en 1973 su tercer disco, “La cárcel de Sing Sing”.

Otros álbumes que González y Harlow publicaron son “El jardinero de amor” y “Our Latin Feeling”. El artista también participó de un espectáculo el 17 de noviembre de 1973, que posteriormente se incluyó en el disco inédito “Fania All Stars-San Juan 1973″, lanzado al mercado en 2009.

En el concierto, el primero que se llevó a cabo en el coliseo Roberto Clemente de la capital puertorriqueña, participaron también los salseros boricuas Cheo Feliciano, Bobby Valentín, Roberto Roena, Héctor Lavoe, Willie Colón y Ray Barreto, entre otros.

 Desde aquel comienzo inspirado por sus ídolos, han pasado 40 años, tras los que Junior se convirtió a su vez en figura de la salsa. Uno de sus últimos momentos de gloria fue su aplaudida participación en la Feria de Cali de 2010, en la que brilló la energía en el escenario del veterano sonero. En su larga trayectoria artística, Junior González ganó siete discos de oro y tres de platino. (Q.D.E.P.)

Salseando con Junior …

La mejor orquesta que ha visto, su favorita?: “Tito Puente y su Orquesta y Machito”.

Con quién quiso trabajar y no se dio la oportunidad?: “Todos mis deseos han sido cumplidos.. y lo más lindo es que llamaron los que yo quería”.

Sus cantantes favoritos que lo inspiraron?: ” Tito Rodriguez”.

Un arreglista y un compositor de su preferencia?: “Titet Curet Alonso como compositor y arreglista, Cuco Peña”.

El disco grabado por usted que más le gustó?: “Esta por hacerse”…

El concierto en Medellín

La música y la vida de cantautor Joe Arroyo se convirtió en una obsesión para el melómano y periodista Mauricio Silva. Tras la muerte del artista y la polémica sobre las circuntancias que rodearon el fallecimiento del cantante más representativo de la salsa colombiana, investigó lo ocurrido y el resultado es un libro que reconstruye los últimos y lamentables años del “Centurión de la noche”: ¿Quién mató al Joe?

En el 2003 el periodista Mauricio Silva estaba disfrutando de un año sabático en Santa Marta donde se deleitaba con la música de Joe Arroyo. Inquieto como siempre, decidió encender su computador y escribir el nombre del artista en el famoso buscador Google. Para su sorpresa, en la época, sólo encontró un párrafo de información, que además, estaba errado, al afirmar que había nacido en Barranquilla. 

Seguro que el lugar de nacimiento era Cartagena empezó a indagar a través de colegas periodistas e incluso los sellos discográficos que habían editado su música, sin sospechar que sería el comienzo de un arduo trabajo de años de investigación entorno a un personaje, una vida entre el cielo y el infierno, que le traería un Premio Simón Bolívar, años después la publicación de una biografía, “El Centurión de la noche” (2008); y ahora, una crónica, cuidada al extremo, “¿Quién mató al Joe?”, sobre sus últimos años de vida de quien es considerado el más impresionante cantautor de música tropical colombiana.

El libro se lanzó esta semana y desde ya se empiezan escuchar voces en contra, como la de Jacqueline Ramón, la última esposa del artista, quien manifiesta tener intenciones de demandar al periodista, quien creó esta crónica de largo aliento de 101 páginas, tomando, línea a línea, las versiones y afirmaciones de personajes que, por diversos motivos, tuvieron que ver con los últimos años de vida del afamado artista, quien gozó mucho menos de lo que sufrió.

 “Primero, tengo una profunda admiración por el artista, pero luego, me encontré con un personaje que me pareció sensacional, con todo lo que le pasó, cómo le pasó e incluso hasta su presencia física”, comentó Mauricio Silva, quien realizó un primer trabajo para la edición Colombia de la Revista Rolling Stone, con el cual ganó el Premio Simón Bolívar, y lejos de dejar el personaje, continúo investigando para escribir su biografía.

 Han pasado sólo siete meses desde el fallecimiento del Joe y siguen habiendo más preguntas que respuestas, pero resuena aún entre sus seguidores, y en especial en Mauricio, la denuncia que hizo su hija Eykol Arroyo la mañana del 26 de julio de 2011, minutos después de enterarse del deceso de su padre: “Lo mataron; a mi papá lo mataron”.

 “En el 2011 me encontré con una historia increíble, luego de años de oscuridad y silencio, porque desde el 2007 el artista no me vuelve a contestar, y con el tiempo me doy cuenta, al indagar con sus allegados, que era una estrategia de su esposa, para aislar al Joe de todas las personas a su alrededor. Investigando encontré que realmente no le dejaban hablar con nadie”, dijo Silva.

 El libro, tejido finamente a través de testimonios y pruebas médicas en cada una de sus líneas, recorre una sórdida historia en la que aparecen su última esposa, su manager que era Luis Ojeda, junto a sus abusos con el bazuco y el alcohol; los sonados episodios clínicos que le escondieron a la familia y a él mismo, junto a una explotación laboral denunciada por sus hijos, sufrida al menos en sus últimos años de vida, cuando El Joe, sencillamente ya sólo quería descansar.

 La historia, como el más macabro thriller, recorre una misma pregunta una a una sus páginas, ¿Se hubiese podido evitar el vertiginoso deterioro físico y, a causa de eso, la prematura muerte del Joe? “Todo parece indicar que sí. Lamentablemente, sí”, se dicta en el libro. Sólo basta con echarle un vistazo a su historial clínico, en el que se incluía hipertiroidismo, diabetes, afecciones y edemas pulmonares, insuficiencia renal, fatigas musculares, inflamación en las rodillas, hinchazón en los pies, isquemias en el corazón y el cerebro, entre otras, para entender que el Joe estaba mucho más cerca del retiro que del ritmo frenético de las giras de conciertos y los espectáculos exigentes hasta altas horas de la noche.

 Un par de años antes de su fallecimiento, tanto la esposa como el manager recibieron un parte del cardiólogo que decía que el corazón del Joe iba a quedar funcionando para siempre en un 40 por ciento, lo cual no le fue contado, ni a la familia, ni al artista. “Los partes de salud que nos daba la esposa o el manager, no coincidían con la verdad. Por un lado conocíamos el parte médico oficial, y por otro lado las mentiras de ellos. Esto me ayudó a publicar el libro para resolver un enigma donde se revela que la muerte del Joe se pudo evitar”, continuó Silva.

Los anhelos del Joe venían por otro lado, como le dijo una de sus hijas, Eykol: “Quiero recuperarme, tener un estudio de grabación, seguir cantando pero más poquito, más bien producir música, componer y crear canciones para otros, un asunto más suave, con ustedes, con Mary…”.

 De sus tres esposas, dicen las fuentes consultadas por Mauricio Silva, Mary fue la que más amó, “con ella logró conformar lo más cercano a un hogar”, afirmó el biógrafo, quien incluye un capítulo con una entrevista con ella, además de datos de personas que afirman que uno de los últimos deseos del Joe era ver a Mary, lo cual nunca se le cumplió.

 La adicción del Joe

El libro arranca muchos años atrás, con su caída en el mundo de las adicciones, aunque Mauricio es claro al respecto, “No creo que su toxicomanía fuera la causal de su muerte. Eso se pudo manejar. Pero hay una mezcla de todo, empezando con su inestabilidad emocional que inicia con la ausencia de la figura paterna y que luego continúa hasta el día de su muerte, con el suplicio que se convirtieron todas sus relaciones sentimentales. Siempre sufrió en el tema del corazón”.

 Y agregó Silva: “Voy a suponer que hubo voluntades detrás de la muerte del Joe. ¿Por qué? Claramente su muerte se pudo evitar, porque había intereses detrás de su patrimonio, incluido el dineral que representa su obra, porque según la historia clínica a la que tuvimos acceso, El Joe debió retirarse antes de 2007”.

 Al contrario de detenerlo, por parte de las personas responsables directas de él, según las fuentes consultadas en el libro lo atiborraron de contratos. “Fueron años de terrible explotación y de abuso”. De ahí, que el 2 de agosto de 2011, la firma de abogados de Abelardo de la Espriella, tomó el poder legal para defender a Eykol y Nayilive Arroyo, al reclamar los derechos de regalías de la obra musical del desaparecido cantautor, además de otras dos denuncias contra Jacqueline Ramón y Luis Ojeda, como es el delito de homicidio preterintencional.

 “El ocultamiento sistemático del estado de salud del artista, la suscripción de contratos para giras y conciertos cuando el maestro estaba enfermo, la restricción de visitas a familiares y amigos y la extraña circunstancia en la que se formó la firma Jonson Music en el 2001, en la que Arroyo nunca tuvo participación sino Ramón y su hermana, hicieron que interpusiéramos esta medida legal”, explicó Aberlado de la Espriella.

 “Buena parte de los derechos de las canciones del Joe fueron cedidos a la sociedad Joeson Music, que crearon Jacqueline Ramón y su hermana María Ramón, ambas como suplentes, y el Joe como principal. Lo que me parece pieza clave, en el documento de constitución de esta empresa, reza que el suplente asumirá las funciones del principal en caso de incapacidad física o mental de carácter definitivo, o muerte del principal”, aseguró Silva.

 Según los relatos e investigaciones realizadas desde el 2001, cuando ella entró en la vida del artista empezó a traspasar todas las propiedades de él a esa firma bajo el argumento de que lo iban a robar sus hijas. “Pasa todo a esta firma porque tus hijas te van a robar”, le narró al escritor una de las hijas del Joe. En este rompecabezas el dinero es pieza clave, si se tiene en cuenta que en 2011 las regalías de Sayco trimestrales ascendían a los 160 millones de pesos en la obra del Joe, “con tendencia a crecer”, con el relanzamiento que vivió la obra a raíz de la telenovela y su muerte.

 Es más, una de sus hijas, Adelita Arroyo, afirma que, “Jacqueline autorizó la venta de la vida de mi papá, y a cambio RCN la puso en el papel de adorable monja. Además, ella siempre le dijo a mi papá que el negocio fuera de 300 millones de pesos. Sin embargo, una fuente amiga me contó que en realidad le pagaron tres mil millones de pesos”. Sus últimos años de vida, sin seguir las recomendaciones médicas, estaba lleno de contratos. Se estima que existían compromisos de cerca de 40 actuaciones a la fecha de su fallecimiento.

 Como si fuera poco, el día que Mauricio Silva lanzó el libro “El Centurión de la Noche”, Andrés Salgado de “Prime Time” y la gente de Teleset se acercaron a él. “Lo hicieron para comprarme los derechos del libro y hacer la telenovela. No se llegó a nada, pero luego Salgado apareció como libretista de la telenovela por lo cual tengo denunciado a RCN, Prime Time y Teleset, por el plagio de mi obra”, afirma. “Hay cantidad de pruebas en la investigación y como yo lo veo y lo plasmo en el libro, para que ellos lo resolvieran de esa manera”, agregó.

 Buena parte de las ganancias de este libro serán destinadas a la Fundación Fuego en mi mente, dirigida por Mauricio Silva, para donar orquestas de salsa y fomentar el arte en las escuelas públicas.

Fuente: Colprensa

Entre ambos suman casi 100 años de historia musical, pero varias décadas de trajín en los escenario no les restó su fuerza interpretativa. Andy Montañez y Oscar D`León demostraron en su reciente concierto en Medellín porque dividen las opiniones entre los melómanos que los consideran las voces más poderosas y vigentes entre los legendarios soneros aún vigentes.

Fueron casi cuatro horas de un viaje musical en el escenario de la discote Palmahía en Medellín por sus épocas de cantantes estelares del Gran Combo de Puerto Rico y  la Dimensión Latina en los años setenta y desde los años ochenta como solistas hasta el presente.

“El Niño de Trastalleres”, convertido hoy en un veterano e incombustible sonero, fue el primero en saltar a la tarima con su alegría. El sonero boricua, que este año cumple 50 años de carrera musical demostró las cualidades que lo han mantenido vigente en la música durante cinco décadas: energía desbordante, ritmo y su poderosa y conservada voz capaz de elevarse a registros altos como muy pocos tiene el don de hacerlo. Confiesa que aunque “me cuido”, no tiene receta para conservar su vozarrón a sus 70 años de edad. Aún así, hoy canta incluso en notas más altas que en sus años gloriosos con el Gran Combo de Puerto Rico. A eso, este puertorriqueño le agrega una dosis de carisma para atrapar a su público de principio a fin.

Acompañado por una orquesta de músicos colombianos y sus dos hijos Harold y Andy Junior (heredero de una vigorosa voz y también con mucha energía), el cantante interpretó desde canciones románticas “Me Gusta”, “Casi te Envidio”; clásicos como un “Verano en Nueva York”, “Julia”, “Las Hojas Blancas”, hasta sus nuevos éxitos como “En mi Puertorro” y una de las más pedidas por el público: “Pillo Buena Gente”. Durante el concierto rió y bromeó con su público, posó divertido para las fotos y hasta improvisó en broma unos pasos de “rapero” junto a su hijo Andy Jr, quien se faja junto a su padre en esta canción.

Salseando con Andy:

¿Su cantante favorito? – Andy Montañez: “Ismael Rivera”.

¿La orquesta favorita? -A.M: “Sin duda, El Gran Combo”.

¿Una canción de la salsa? -A.M: “Todas las de Maelo”.

¿Su propia canción? -A.M: “Las Hojas Blancas”.

¿El mejor arreglista de la salsa? -A.M: “Luis ‘Perico’ Ortíz”.

¿Y el compositor? -A.M: “Tite ‘Curet’ Alonso”.

Ver aquí entrevista

UN LEÓN EN TARIMA

El cierre del espectáculo que reunía por primera vez en Medellín a dos “pesos pesados” de la salsa se reservó para Oscar D`León. El sonero venezolano, que en los últimos años ha sufrido quebrantos de salud y dos infartos,  fue como su apellido, un león en la tarima y le sobró corazón y pulmones para cantar y bailar sin descanso sus éxitos de ayer y hoy. Más de 1o canciones de salsa dura entre las que no hubo recesos para el cantantes y los músicos, ni siquiera para refrescar su garganta prodigiosa con un sorbo de agua.

Llorarás, Sigue tu Camino, A él, Siguaraya, Yo Quisiera, Detalles, Que Será de Mi, Que se Sienta, Mi Bajo y Yo, Calculadora, María, Frutero, y mi favorito, El Malo, fueron algunas de esas canciones inolvidables para los salseros que sonaron otra vez en Medellín.

Pero a mi juicio la sorpresa de la noche salsera fue la versatilidad del sonero para reinventar el formato de su orquesta, caracterizada por la fortaleza en los vientos que heredó de su paso por la Dimensión Latina y que reforzó con dos virtuosos violinistas. El resultado fueron arreglos enriquecidos de sus reconocidas canciones. A eso se agrega el liderazgo para mantener el vigor de su orquesta y la ejecución de cada músico, a pesar de arreglos bravos.

Las imágenes de los incombustibles soneros:

]]> http://www.ecbloguer.com/congaybongo/?feed=rss2&p=3503 2 http://www.ecbloguer.com/congaybongo/?p=3473 http://www.ecbloguer.com/congaybongo/?p=3473#comments Fri, 30 Dec 2011 01:06:20 +0000 Juan Carlos Monroy G. http://www.ecbloguer.com/congaybongo/?p=3473

Los premios Internacionales de la Salsa Sebastián de Belalcázar entregados en Cali hicieron justicia con la orquesta de los Hermanos Lebron, al reconocer su legado y vigencia con el galardón como Mejor Orquesta Internacional de la Salsa en 2011.

Por el  Centro de Eventos Valle del Pacífico desfilaron reconocidos músicos, cantantes, productores y las nuevas caras del género salsero, así como esa nueva élite que conforman en Cali los bailarines de salsa y las escuelas donde se forjan los mejores bailarines del mundo. Excantantes de agrupaciones como Niche, Guayacán que hoy se destacan de solitas como Javier Vásquez, Willie García; otros que se hicieron figuras fuera del país como Yury Buenaventura, al que llaman el mejor de su generación como Gilberto Santa Rosa y recordadas figuras como la puertorriqueña Yolandita Rivera se hicieron presentes en la ceremonia.

Gilberto Santarosa, la orquesta femenina D`Cache, Henry Fiol y Yolanda del Río fueron los artistas que se presentaron durante la premiación de las distintas categorías. Uno de los momentos de mayor expectativa fue la entrega de la estatuilla  a la mejor orquesta internacional de la salsa, que generó expectación entre el público presente y nervios entre los artistas por ser una de las más competidas. La trayectoria y renombre de los nominados lo decía todo: Gran Combo de Puerto Rico, Van Van de Cuba, Sonora Ponceña, la Selecta, Sonora Ponceña, Dan Den de Cuba, The Lebron Brothers.

Tras unos segundos de silencio en el auditorio expectante mientras la presentadora abría el sobre con el nombre del ganador, la estatuilla en bronce forjado exaltó la carrera musical de 45 años de los Hermanos Lebron. De esta forma, los premios salseros hicieron justicia con la agrupación de los “newyoricans” que  con su “Salsa y Control” ayudaron a construir el movimiento salsero y apuntalar el nombre de salsa para definir la riqueza rítimica de la música latina y que convirtieron su apellido en símbolo de salsa brava.

El percusionista Frank Lebron subió al escenario a recibir la estatuilla en nombre de sus hermanos, a quienes dedicó el galardón, en especial, al pianista, arreglista, compositor y corista José Lebro, el “motor creativo” de la orquesta. También agradeció a los salseros que desde 1967 posicionaron y conservan vigentes a su agrupación en el pentagrama musiccal.

Otros ganadores de la noche fueron Gilberto Santa Rosa a mejor disco del año por la canción “Ella”, del disco “Irrepetible”; Javier Vásquez, con “Salud”, la canción de la Feria de Cali. Guayacán ganó el premio a mejor video del año con “Extraño tu amor”. El galardón  a mejor escuela de bailarines de salsa fue para Pioneros del ritmo. También se entregó un galardón como homenaje póstumo a Joe Arroyo.

Comentario personal: aunque los premios musicales muchas veces ceden a los intereses comerciales, la “payola” y no privilegian la calidad de agrupaciones, cantantes y sus producciones, a mi juicio, los salseros que votaron por esta banda y los Premios Internacionales de la Salsa hicieron justicia al reconocer con este premio el legado y la vigencia de los Hermanos Lebron, una orquesta que en el pasado sufrió la discriminación de la “industria musical” representada por el imperio Fania Records. (ver historia de los Hermanos Lebron)

Más de mil bailarines de las escuelas de salsa de Cali, en las que se forman los mejores bailarines de salsa del mundo, fueron los protagonistas del Salsódromo, el evento que inaugura la Feria de la Salsa cada año.

A lo largo de varios kilómetros grupos y parejas bailaron acompañaron cinco carrozas con orquestas nacionales e internacionales. Las bandas mas aclamadas por el publico caleño fueron la orquesta la Misma Gente, que interpretó los recordados éxitos Juanita Ae y Títico. Fruko y sus Tesos con el elenco de la novela el Joe contagieron de alegría a los salseros que cantaron y bailaron sus canciones siguiendo la energía en esa tarima móvil de los cantantes Mauricio Castillo (Wilson Manyoma en la novela), Oscar Castaño, seguidos por actores de la novela encabezados por el protagonista del Joe.

La presencia del maestro Julio Estrada “Fruko” en la carroza salsera fue la sorpresa que desató aplausos y ovaciones.

El cierre del desfile tuvo a los Van Van de Cuba como protagonistas, que desfilaron tocando en vivo salsa y timba para miles de personas que salieron a vivir la pasión de la salsa en su capital mundial.

Galería de imágenes

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Relatan las crónicas de los últimos 50 años que a través de su voz se expresaron las alegrías y tristezas del pueblo puertorriqueño y de todo el Caribe y luego sus soneos, al ritmo de la plena y la bomba, se regaron por Latinoamérica. Los salseros recordamos con nostalgia que en esta fecha nació hace 80 años uno de los grandes de la salsa… el “Sonero Mayor”.

Ismael Rivera nació en la Calle Calma del Barrio San Mateo de Cangrejos (Santurce), Puerto Rico, el 5 de octubre de 1931 y fue el primero de cinco hijos nacidos de Don Luis Rivera Esquilín y Doña Margarita Rivera García (Doña Margot).

Contó muchas veces su madre, doña Margot, que Ismael siendo niño empezó a cantar con “Kako” (Francisco Angel Bastard) huyendo de casa para poder hacerlo durante las noches; mientras ella se amanecía llorando, porque decía ¡Dios mío! pero si este muchacho lo que tiene es 13 ó 14 años. En la escuela formaba las rumbas con latas, que abollaba hasta que dieran el sonido preciso… y en la cocina de Doña Margot, desaparecían guayas y tenedores porque Ismael se los llevaba…

De niño limpiabotas y a los 16 años albañil, aunque se las pasaba cantando y tocando en los rumbones que se formaban en la Calle Calma, que de calmada no tenía nada en y otros sectores del Santurce Cangrejero, junto a su amigo y compadre Rafael Cortijo… Muchos años después, Rafael e Ismael formarían un conjunto que se roconocería internacionalmente, y lo convertirían en el portaestandarte indiscutido de la música afrocaribeña…

En 1948 Ismael y Cortijo se unieron al Conjunto Monterrey dirigido por Monchito Muley, Maelo como conguero y Cortijo como bongocero. Pese a su interés en cantar, nunca le dieron la oportunidad… y por su trabajo de albañil, no podía dedicarse a tiempo completo a la que sería su pasión… Hasta que simplemente ocurrió… un día, mientras Cortijo tocaba en La Riviera, en La Marina sanjuanera, llegó el entonces albañil a pedirle trabajo y fue contratado por un sueldo de $32.80 semanales, por debajo de los $55.00 que ganaba tirando mezcla fina.

La relación entre Cortijo y Maelo llevaría al sonido de la Calle Calma, y luego de todo Puerto Rico, a todo el mundo e inmortalizaría sus nombres y música en la evolución de la música latina y la salsa. Ismael era un cantante entre muchos, pero capaz de improvisar líricas y ritmos. “Maelo” aprendió bomba y plena (sonidos originarios de Puerto Rico) estando muy joven… Así, su música fue una mezcla de estos estilos folkloricos y tradicionales y el estilo vocal del son cubano.

En 1952 debió dejarlo todo para formar parte del ejército de Estados Unidos, pero fue licenciado al poco tiempo, por su deficiencia en inglés. A su regreso a la Isla, Cortijo le consiguió trabajo con la Orquesta Panamericana de Lito Peña, con quien grabó y pegó los éxitos “El charlatán”, “La vieja en camisa” y “La sazón de abuela”. Con “El charlatán” se dio a conocer en todos los rincones de la Isla, y posteriormente consiguió la fama internacional.

Con Cortijo y su Combo

Entre presentación y presentación, Maelo salía de El Escambrón y se iba a descargar con su amigo Rafael Cortijo en el Black Magic de Miramar. Un incidente de faldas precipitó su salida de la Orquesta Panamericana y Lito le pidió que no cantara ese día en el programa radial de la orquesta. Pero Ismael decidió no cantar con la orquesta ése ni el resto de sus días. En 1954 se integra al grupo de Rafael Cortijo, con quien grabaría 17 discos. Con Cortijo y su Combo pegó mucho éxitos, entre ellos: “El bombón de Elena”, de don Rafael Cepeda, así como “El negro bembón”, “Juan José”, “Besitos de coco”, “Palo que tú me das”, “Quítate de la vía Perico”, “Oriza”, “El chivo de la campana”, “Maquinolandera”, “El yoyo”, “María Teresa” y “Yo soy del campo”…

La relación entre Cortijo y Maelo llevaría al sonido de la Calle Calma, y luego de todo Puerto Rico, a todo el mundo e inmortalizaría sus nombres y música en la evolución de la música latina y la salsa. Con su compadre y mentor, Rafael Cortijo, revolucionaron esos ritmos con nuevos sonidos y el estilo pregonero del Sonero Mayor. Ismael era un cantante entre muchos, pero capaz de improvisar líricas y ritmos. “Maelo” aprendió bomba y plena (sonidos originarios de Puerto Rico) estando muy joven… Así, su música fue una mezcla de estos estilos folkloricos y tradicionales y el estilo vocal del son cubano.

La muerte de su compadre Rafael Cortijo lo afectó sobremanera, al extremo de perder la voz, pese a que atesoraba la esperanza de recuperarla para cantar en un magno homenaje que le preparaban sus familiares y amigos en el Coliseo Roberto Clemente, con una fanfarria de vientos y poderosos ritmos. En casa de Doña Margot, días antes del evento a las cinco y cuarto de la tarde, Maelo sufrió un infarto cardíaco y falleció luego de abrazar a su madre. Era el 13 de Mayo del 1987 y su muerte se sintió por todo el mundo de la música latina. Su música sigue viviendo en los corazones de aquellos que lo recuerdan al frente del micrófono, chasquendo los dedos, con su infaltable grito “Ecuajey” y “sacude zapato viejo”…

En el populoso funeral, miles de negros, cientos de mulatos, decenas de jibaritos depositaron flores y desprendieron lágrimas sobre el féretro del hombre que cantó con tanto cariño a su Puerto Rico del alma.

Para conservar su memoria y legado musical fue creada en su Santurce natal la Fundación Ismael Rivera, con sede en la casa donde vivió y nació el cantante boricua.

Entrevista a Maelo: “Yo no entré en la salsa, nací en la salsa”

En 1977, el periodista y musicólogo venezolano César Miguel Rondón entrevistó a Ismael durante el programa radial “Quiebre de Quintos” – Radio Nacional.

Ismael, ¿cómo entras al mundo de la salsa, en la música ?
Humildemente hablando, yo no entré en el mundo de la salsa, yo nací en el mundo de la salsa. Porque resulta que yo vengo de un pueblo que se llama Santurce, del área metropolitana de Puerto Rico, la costa norte; yo soy de la Calle Calma, y en la calle Calma el reloj, cuando yo me levantaba, era una cosa que hacía: pum qui pum, pum qui pum… y ese reloj como que se me metió en la sangre. Parece que yo traía algo y por eso puedo decirte que antes de tener uso de la razón ya yo estaba en la playa con los tambores, con un señor que se llama Rafael Cortijo, que ustedes lo conocen bien, y bueno… él es el resposable de que yo esté en este pugilato…

¿Cómo comienza esa relación tuya con Cortijo?
Bueno, estábamos juntos en la Escuela Intermedia, de Santurce. Y Cortijo, como es natural, siempre ha tocado su tambor… tu sabes, hay lo que se llama “pleneros”, que son los que hacen pura música de cueros, y Cortijo era de esos… y entonces, después de la escuela nos íbamos para la playa, que era una caminata como de cinco minutos, y ahí empezábamos a tocar…

¿Tú dices que estaban en la escuela, cuántos años tenían?
Rafael tenía quince y yo catorce… y cuando eso fué que empezamos a rumbear juntos… él fue el que empezó a crearme conciencia, tú me entiendes, me decía que yo lo que era era cantante, un vocalista especial, y yo pensaba que el hombre como que me estaba dando mucha coba, pero el seguía… y entonces me iba a buscar a la obra, porque ya yo me había hecho albañil y soy un buen albañil… y así era, yo trabajaba para mi los sábados…tu sabes, uno siempre tiene que sudar, doblar el lomo… y entonces Rafael me iba a esperar con los barriles, los tambores, y mi abuelo cuando lo veía siempre decía: “ahí está el negrito ese con los barriles otra vez, lo voy a botar a él y te voy a botar a tí también, que no te venga a buscar más…”. Pero ahí fué donde empezó todo, Rafael fue el que me sacó de la albañilería…

¿Y cómo fué eso del accidente?
Bueno, es que nosotros tocábamos en grande los fines de semana y ahí montábamos lo nuestro… y la gente nos iba a ver y les gustaba… yo no sé, decían que tocábamos distinto… yo no sé… parece que era el hambre.

Ismael, explícate eso del hambre…
Bueno, yo te dije hambre porque el grupo sonaba como con una rabia, una fuerza, loco por salir del arrabal, inconscientemente… me entiendes?… ese era el tiempo de la revolución de los negros en Puerto Rico… Roberto Clemente… Peruchín Cepeda… Romaní… entraron los negros a la universidad… Paff!!… y salió Cortijo y su Combo acompañando esa hambre, ese movimiento… Digo, no fue una cosa planeada, tu sabes, son cosas que que a veces suceden y en Puerto Rico estaba sucediendo esto… Todo fue una cosa del pueblo, del negro, era como que se nos estaba abriendo un aula, y había rabia y Clemente empezó a repartir palos y nosotros entramos ahí, tu sabes, con nuestra música… Y parece que el mismo deseo de nosotros de salir, de acabar con el arrabal, fue lo que después nos puso un poco más premeditados.

Fuente: latinjazzysalsadura